El amor más enorme del mundo. Análisis de King Kon como héroe romántico, por David Vázquez

Introducción

Las películas de “monstruos” son todo un sub género dentro de Hollywood. Algunas pueden agruparse bajo la categoría del terror, otras bajo el rótulo de la ciencia ficción y algunas como de aventuras pero todas tienen algo en común, un cliché usado hasta la saciedad en el cine: una bestia de proporciones descomunales aparece, causa destrozos varios y es exterminada para que todo vuelva a la normalidad.
Obviamente estas películas han rondado casi siempre el disparate y no son muy bien recibidas por aquellos que dicen gustar del buen cine.
Sin embargo hay una de estas películas de monstruos que va más allá que el resto, que fue ideada allá por los años 30 y que tiene, sin dudas, influencias de “La bella y la Bestia ”. Muchos de quienes manifiestan su desagrado frente a estos filmes deberían verla porque en realidad “King Kong” , película de la cual hablamos, es una maravillosa historia de amor que incluye reflexiones sobre otros temas. El prejuicio frente a esta clase de filmes los ha privado al público de disfrutar una historia sorprendente.
A lo largo de este trabajo trataremos de fundamentar lo dicho y sobre el análisis de la última versión de este verdadero clásico que fue dirigido por el neozelandés Peter Jackson en el 2005 (“King Kong” ha tenido desde su versión original estrenada en 1933 varias remakes ).

La historia de quienes crearon a Kong

Luego de la Primera guerra mundial un teniente coronel de la Cruz Roja y un capitán del ejército se hicieron amigos. El teniente coronel era Merian C. Cooper y había sido un héroe de la aviación francesa, algo que tal vez no era fácil en aquella época y con aquellos aviones. El capitán era Ernest B. Schoesdsack y era fotógrafo del Ejército, una tarea más sencilla. Congeniaron y, en vez de salir a emborracharse o a comer hasta hartarse o a conseguir bellas señoritas (recordemos que esta es la historia real y no una película de Hollywood) decidieron asociarse para hacer documentales de países exóticos.
Cooper y Schoedsack deambulaban por Asia Central filmando selvas peligrosas y casi siempre impenetrables. Son occidentales y el occidental es un ser lleno de curiosidad sobre todo con lo oriental. Edward Said dijo alguna vez que: “Oriente era casi una invención europea y, desde la antigüedad, había sido escenario de romances seres extraños, paisajes inolvidables y experiencias extraordinarias”. Nuestros amigos compraron los derechos de una novela “Las cuatro plumas”, una típica historia colonial británica de A.E.W. Manson : un oficial despreciado por sus compañeros de armas por resistirse a ir a la India. Así entraron en el terreno de la ficción cinematográfica y tuvieron relativo éxito. Esto les permitió filmar un proyecto propio “El malvado Zaroff” , donde un conde recibe a personas en una isla para luego cazarlas. Ahora se han hecho muchas películas similares pero en aquella época fue toda una novedad y tuvo más que buenas recaudaciones.
En Hollywood hacer dinero con una película produce inmediatamente la confianza de los grandes estudios y, los directores o guionistas, pueden dar rienda suelta a su creatividad. Así Cooper y Schoedsack pudieron concretar un sueño y filmar la historia de un simio gigantesco que aterrorizaba Nueva York. Esto los llevaría a la definitiva gloria y a una eternidad que sería inútil negarles, dado que Kong vivirá mientras viva el planeta. Tanto fue el éxito que hubo, como ya dijimos, remakes, desviaciones e imitaciones varias (y malas )
La historia de King Kong fue influenciada por la novela de Arthur Conan Doyle “El mundo perdido” de 1912 y la novela de Edgar Rice Burroughs “La tierra que el mundo olvido” escrita en 1918

La historia de Kong

Estamos en Estados Unidos durante la gran crisis de los 30: ya se sabe, hambre, desocupación y todo lo demás. Ann Darrow (Naomi Watts ) es una actriz que sufre también el cierre de su teatro y la consecuente posibilidad de tener que comer salteado. Pero, conoce a un productor cinematográfico Carl Denham (Jack Black ), que está tan arruinado como ella (o mas porque debe dinero) pero que es mejor actor (aunque no sea su profesión) ya que la convence de sumarse a un maravilloso proyecto que incluye un viaje hacia algún lugar exótico a bordo del barco S.S. Venture. Se supone que allí tendrá lugar el rodaje. Ann no es tonta y sospecha pero se encuentra con Jack Driscoll (Adrien Brody ), un guionista que ella respeta mucho por su trabajo y así se convence de la posibilidad cierta de que el proyecto no sea un fraude. Lo que no sabe es que el astuto productor también ha engañado al escritor.
Así todos parten hacia la aventura y, de paso, el productor deja en el puerto a quienes lo persiguen para cobrarse sus deudas.
Driscoll quiere saber concretamente como será el proyecto y Denham le confiesa que el proyecto es solo eso: un proyecto. Que no tiene mucha idea de lo que harán pero que, con una cámara, un guionista, una actriz y algún lugar exótico que, seguramente aparecerá, harán un éxito. La tripulación se entera de la locura y se amotina. Todo parece irse al demonio pero el barco encalla y Driscoll aprovecha para bajar a tierra junto al escritor, la estrella y el equipo de filmación.
Pero la isla no está desierta. La habitan unos nativos poco dispuestos a recibir visitas y con aspecto bastante temerario. Ante el ataque de los nada amigables anfitriones todos huyen hacia el barco pero, una vez allí, se dan cuenta de que la bella Ann ha sido retenida por los nativos. Obviamente (estamos en una película americana y los americanos nunca dejan a nadie sin rescatar) el equipo decide volver a buscar a Ann. Allí van todos aunque el capitán del barco les avisa que, en 24 horas, la nave, que ya ha superado su problema de encallamiento, regresa a casa, con ellos o sin ellos. Por supuesto Denhamm carga con su cámara esperando rescatar algo que luego pueda proyectarse.
El destino de la bella Ann no es ser devorada por los nativos sino ser ofrecida a un gigantesco gorila (que los indígenas alababan como a una especie de dios) como una especie de ofrenda. Los nativos lo llaman Kong.
Pero, Ann, bastante rebelde por cierto, no se resigna a estar en las garras de Kong y escapa. En su huida se topa con unos monstruos prehistóricos pero, por suerte, Kong aparece, pelea con los bicharracos y la rescata.
Lo mismo le sucede a sus rescatistas pero estos no tienen la suerte de que Kong los defienda: algunos mueren, otros huyen al barco y los menos deciden continuar la búsqueda de Ann. Cabe acotar que el entusiasmo de Denham aumenta cuando se da cuenta de que está en una isla repleta de monstruos que pueden “actuar” sin tener que pagarles y proveer una película interesante para el publico neoyorquino (Algo así como conseguir una “Jurassic Park”, pero casi gratis)
Las desventuras del grupo continuaran. Mientras tratan de cruzar un precipicio utilizando un gigantesco tronco Kong aparece y sacude el tronco con lo cual todos van a parar al fondo del precipicio. Los que sobreviven son atacados por unos horribles insectos gigantes aunque, finalmente, son rescatados por el bueno del capitán que, preocupado por ellos, salió a buscarlos.
Aquí comienza un conflicto de intereses: Driscoll quiere insistir con el rescate de Ann, el capitán quiere huir cuanto antes y Denham comienza a pensar en capturar al mono para llevárselo con ellos. Perdió todas las cámaras en su accidentado viaje y solo le queda la esperanza de trasladar al mono a Nueva York para ganar dinero con él.
Finalmente Driscoll rescata a Ann y Kong los persigue a ambos. Cuando llega a la playa es dormido con unos botellones de cloroformo y así el secuestrado ahora es él, que deja la isla hacia la “maravillosa” Nueva York.
Tras un salto temporal estamos de regreso en Nueva York: Denham exhibe a Kong en Broadway (Ahora se llama King Kong (el rey Kong) y es anunciado como la octava maravilla del mundo). Ann, desencantada (y ya veremos que enamorada) se ha separado del grupo y ha regresado a una obra en un pequeño teatro y Driscoll, no comparte demasiado el desmedido afán por la popularidad de Denhan.
Kong se enfurecerá frente a los flashes de las cámaras, romperá las cadenas que lo retienen y aterrorizará a todos en las calles de Broadway. Pero su objetivo es encontrar a Ann que entiende que el simio está, en realidad, aterrorizado, y solo requiere de comprensión. Tras uno paseo juntos por las nevadas calles, el ejército atacará a Kong que comenzará a escalar, sin separarse de Ann el Empire State. Cuando llega a la cima y , entendiendo que, aunque ha volteado dos de los aviones que lo atacan, no podrá derrotarlos a todos, deja a Ann y sube al punto mas alto del edificio desde el cual caerá abatido por las balas.

El amor todo lo puede

King Kong es, en apariencia, una película de monstruos más. Una de tantas. En vez de un extraterrestre, de un molusco gigante o del producto de un experimento nuclear enfurecido se trata de un descomunal gorila que aterroriza Nueva York en medio de saltos y zarpazos. Podríamos preguntarnos porqué los guionistas eligieron a un mono: simplemente porque está muy cerca del ser humano en la escala evolutiva y, simplemente porque lo que intentaron hacer (y vaya si lo consiguieron) fue una historia de amor y no una simple película de monstruos más.
Kong vive solitario en una isla y ya ha visto todo lo que hay para ver. ¿Cuántos años tendrá su soledad? No lo sabemos pero podemos intuir su rutina: Ir de aquí para allá en busca de comida, gritar de vez en cuando para marcar su territorio y acosar cada tanto al pueblo de nativos para ganarse algún sacrificio en su honor.
Pero aparece algo diferente, nuevo, algo que jamás imagino que podía existir: una rubia de piel blanquísima. Algo inédito en su mundo.
El aburrimiento de ese simio aislado, de ese ser condenado a la soledad es reemplazado por el contacto con ese “producto” de la civilización que se le presenta, algo gritona y descuidada de ropa, pero diferente y hermosa al fin.
La historia empieza como tantas otras: es un viaje donde unos hombres curtidos y barbados acompañan a unos cineastas aventureros a una isla repleta de peligros. Una isla con nativos salvajes incluidos que los atacan. Una isla con animales extraños. Aparentemente nada nuevo bajo el sol.
Pero, de repente, el sol se oscurece con la presencia de Kong. Y aquí empieza lo diferente: porque frente a esa rubia que se le ofrece como sacrificio Kong reacciona de manera diferente. Tal vez, en otras oportunidades, se haya comido a su ofrenda de un bocado pero esta vez, no: Kong, entre fascinado y extrañado mira a esa mujer diferente que grita y agita sus piernas. Ha habido un “flechazo” instantáneo y, a pesar de sus dedos enormes, es capaz, con todo cuidado, de juguetear con la escasa ropa de la rubia y de soplarla con suavidad para que se seque luego de un baño en una cascada.
Incluso Kong arriesgará su vida defendiendo a su amada, que aún no llega a entender los sentimientos del simio e intenta escapar cayendo en las garras de un feroz dinosaurio al que parece ser que las rubias no conmueven demasiado.
Kong, como todo enamorado, llevará a su amada a su “departamento de soltero”, es verdad, sin seducirla demasiado ni consultarle su opinión. Desde allí la vista de la selva es imponente. Están solos y Kong comenzará a hacer monerías (obvio, es un mono) para, ahora sí, seducir a su rubia debilidad. No dista mucho de lo que hacemos los hombres que, supuestamente continuamos evolucionando en la escala zoológica. La que sí actúa como una mujer es ella: primero no le presta demasiada atención y luego lo reta porque en una de sus piruetas casi destruye el coqueto departamento que está en una especie de risco. Parece ser que el reto surte efecto y la mirada de Kong se vuelve tierna y algo comprensiva (ya se sabe que uno, por más dinosaurios que sea capaz de matar, nunca es capaz de entender del todo a las mujeres). Ahí está entonces la feliz parejita. Pero, como casi siempre, las historias de amor con diferencias de edad y de tamaño no suele terminar bien.
Porque lo que no sabe Kong es que hay un tercero en discordia.
Sí, ésta historia es tan romántica que debe, necesariamente, tener un tercero que pretenda a la rubia.
Hay un triángulo amoroso muy claro en este King Kong, el que se establece entre la actriz, el escritor y el gigantesco simio. Recordemos al guionista que la rubia admiraba desde antes y por el cual emprendió este viaje. Todavía anda por ahí y, es más, es el único valiente, que se digna en continuar la búsqueda de la rubia secuestrada por Kong.
Pero, la relación entre la actriz y Kong es mucho más profunda y pasional que la que establece con el escritor: sería algo así como la bella tironeada entre el intelectual y el apasionado. Uno le ofrece la tranquilidad de la civilización y la comprensión racional; el otro le ofrece la aventura de la naturaleza y lo desconocido y una protección basada en la fuerza física y en el sacrificio sin límites.
Kong y la actriz se relacionan de manera simple: miradas, gestos, emociones pero, sobre todo, la capacidad que tiene la heroína para fijarle límites al mono enamorado que va cambiando su carácter, al principio es caprichoso y solo presta atención a sus deseos, con el paso del tiempo se preocupa cada vez más por su “trofeo”, se ha enamorado.
Mientras Kong duerme confiado el guionista y la actriz huyen colgados de las patas de un murciélago gigante. Kong se enoja y va por lo suyo. Así terminará anestesiado, encerrado en un barco y llevado a Nueva York. Antes de dormirse su última mirada no será para su isla sino para esa rubia hacia que extiende su mano. Esa rubia que ahora está llorando por él.
Gracias a la magia del cine ya estamos Nueva York y allí entendemos por qué el productor luchó tanto por llevarse a Kong. Allí está la civilización capitalista a la que no le importan reyes ni sacrificios: solo lo que se puede comprar y vender. Y Kong es un producto magnífico.
Kong ya no es más un monstruo temerario que asusta en una isla perdida en medio del océano, ahora es un espectáculo. El “show Business” capitalista lo ha reducido a la condición de mercadería, por el momento exitosa. Hasta que se aburran de él la idea es que, quienes pueden pagar, llenen el teatro para verlo humillado y encadenado. Allí están fracs ostentosos y vestidos de noche hechos especialmente para lucirse. Allí hay infinitas rubias acompañando, como adorno, a millonarios eternamente insatisfechos. Siempre ávidos de novedades y sustos controlados.
Pero aquí ese “control” termina perdiéndose. El monstruo no soporta los flashes pero, lo que no soporta, en realidad, es no poder ver a su amada.
La reacción de Kong rompiendo las cadenas se da cuando descubre que “su” rubia ha sido falsificada (recordemos que Ann no participa del espectáculo tal vez arrepentida por lo que su amor le ha hecho a Kong).
Otra actriz es la que le es ofrecida en una parodia de sacrificio que todos festejan con sonoras carcajadas. Pero las carcajadas se transforman en alaridos. Los espectadores, los ávidos de espectáculos nuevos, los cobardes que habían pagado para ver la humillación de ese simio gigante desde las butacas, donde, supuestamente, no podía alcanzarlos, escapan despavoridos. Kong reparte mamporros aquí y allá y descalabra el teatro. Pero no busca revancha. No es uno de estos monstruos que destruye por placer o por locura a Nueva York. Kong va en busca de su amor. De esa actriz maravillosa, rubia y frágil.
Ya no está en la seguridad de su isla: las luces, los autos, esos seres pequeños que gritan y corren lo asustan tanto como él a ellos. Por eso reacciona con violencia en medio de su búsqueda.
Ann se entera de lo que ha sucedido y va a buscarlo a pesar de su temor: sí, hay miedo en ella pero también ¿amor? Aquí ya no nos animamos a especular sobre lo que le sucede a esta almita femenina pero el reencuentro se produce.
A pesar de esa “atracción-rechazo” (típica de las enamoradas) que siente la rubia. A pesar de sus gritos (en las películas de monstruos las chicas siempre gritan - y con que agudos-), aunque no olvidemos que la estridencia es también la cara del amor, a veces (¿O no gritan cientos de fans frente a un recital de Luis Miguel?)
Kong no quiere participar del modo de vida americano ganándose el sustento como atracción de un espectáculo y huye con la rubia que ya no ofrece tanta resistencia (es, en cierto modo, un rebelde romántico).
Luego de patinar con su amada en el Central Park (algo típico de los filmes de amor americanos que transcurren en Nueva York) trepa a las cumbres del Empire State. Lo más parecido que encuentra a su “departamentito” de la selva.
Otra de las cuestiones ineludibles en el amor es que uno siempre anhela el pasado y supone que “recrear” las situaciones hará que todo vuelva a ser igual. Pero Kong comprobará, como lo comprobamos a veces los seres humanos, que el tiempo pasa y nada vuelve a ser lo mismo aunque parezca similar o hasta idéntico.
Las alturas de Nueva York no le brindarán la misma seguridad que las alturas de su selva.
Allí asistiremos al clímax de la historia: unos aviones con armas, unos aviones odiosos, atacan a nuestro héroe y le queman la piel. Giran locamente alrededor de Kong que sujeta a su amada. Kong trata de defenderse pero él forma parte de la naturaleza y, en las grandes ciudades (en el mundo occidental) la naturaleza es un recuerdo, un rinconcito verde perdido en medio de monstruos pero de cemento. Así que Kong está de más en ese paisaje. Ann grita pero ya no por temor a Kong. Ahora quiere salvarlo. Será imposible: la seguridad de Nueva York es más importante que los sentimientos de un mono gigante.
Y Kong se da cuenta de que su destino es inevitable. Comprueba (como el hombre) que el amor no lo puede todo. Deposita con una mirada tierna a su rubia en una especie de rellano y, desafiante, con el último esfuerzo, trepa solitario a la cumbre más alta para desde allí caer al vacío.
Todo ha terminado; el amor, el negocio, la vida. Y los curiosos se amontonan. Alguno, incluso, se saca una foto junto al cadáver. Porque, ya se sabe, en el capitalismo, todo es un espectáculo, hasta la muerte.
Y entonces el guionista (¡Quién si no!) dice una de las frases más memorables del cine. Alguien dice que al monstruo lo mataron los aviones pero él replica: “No, fue la bella la que mató al monstruo”.
En realidad fue el amor el que llevó a Kong a las cumbres más altas y el que, desde allí, lo hizo caer, como en tantas otras historias románticas que nos ha dado el cine.
El guionista abraza a la rubia. Ella, finalmente, se queda con el amor más calmo, más racional y menos apasionado. Pero, el amor inolvidable, para ella, para todos, será el de Kong.

Conclusión

Si a esta altura no los hemos convencido de que la de Kong es una historia de amor, puede ser que aún no se hayan enamorado de verdad alguna vez. Es cierto, el galán no es aquí Johnny Deep ni Brad Pitt, pero su sacrificio está a la altura de cualquier héroe de historia romántica.
Hay muchas otras lecturas posibles sobre el filme: Kong es también la historia del espectáculo.
No sólo del amor por el dinero sino del amor por el espectáculo mismo en sus dos vertientes: ahí está el escritor convencido de que al público hay que darle lo mejor. Para él, productos de calidad. Y, del otro lado, está el inescrupuloso Jack, que, es cierto, busca dinero pero también busca la gloria de ser aplaudido por un teatro entero porque le ha dado al público, no lo mejor, sino lo que el público reclama (algo así como el Teatro Colón y Marcelo Tinelli, enfrentados en un duelo colosal). Aquí hay también amor y pasión por el mundo del espectáculo.
Nosotros elegimos desarrollar el amor de Kong que lo lleva a la muerte pero también lo llevo a transformarse en un personaje inolvidable.

Bibliografía
http://es.wikipedia.org/wiki/La_bella_y_la_bestia
http://es.wikipedia.org/wiki/King_Kong
http://es.wikipedia.org/wiki/Peter_Jackson
http://es.wikipedia.org/wiki/Merian_C._Cooper
http://es.wikipedia.org/wiki/Ernest_B._Schoedsack
http://es.wikipedia.org/wiki/A._E._W._Mason
http://es.wikipedia.org/wiki/Arthur_Conan_Doyle
http://es.wikipedia.org/wiki/Edgar_Rice_Burroughs
http://es.wikipedia.org/wiki/Naomi_Watts
http://es.wikipedia.org/wiki/Jack_Black
http://es.wikipedia.org/wiki/Adrien_Brody
Enciclopedia Salvat del Séptimo Arte (1980), Ed Salvat, Barcelona
Calki. (1973) Los monstruos del cine, Ed. Siglo XXI, Buenos Aires
http://www.filmaffinity.com/es/film962157.html
http://www.cadena3.com/contenido/2010/06/30/56708.asp

Anexo

FICHA TECNICA
TÍTULO ORIGINAL King Kong
AÑO 2005
DURACIÓN 187 min.
PAÍS Estados unidos
DIRECTOR Peter Jackson
GUIÓN Peter Jackson, Frances Walsh, Philippa Boyens (Historia: Merian C. Cooper & Edgar Wallace)
MÚSICA James Newton Howard
FOTOGRAFÍA Andrew Lesnie
REPARTO Naomi Watts, Adrien Brody, Jack Black, Thomas Kretschmann, Jamie Bell, Lobo Chan, Kyle Chandler, Colin Hanks, Evan Parke, Andy Serkis, Ray Woolf
PRODUCTORA Coproducción USA-Nueva Zelanda; Universal Pictures / WingNut Films
WEB OFICIAL http://www.kingkong.uip.es/

PREMIOS 2005: 3 Oscars: Mejores efectos visuales, efectos sonoros, sonido. 5 nominaciones
2005: 2 Nominaciones al Globo de Oro: Mejor director, banda sonora original
2005: BAFTA: Mejores efectos visuales: 2 nominaciones
2005: Premio Especial en el Festival de Toronto: Andy Serkis

Anexamos esta noticia publicada en http://www.cadena3.com/contenido/2010/06/30/56708.asp
Y que certifica la vigencia de la historia de Kong.

El gigantesco gorila King Kong vuelve a revivir dos años después del devastador incendio en los estudios Universal que lo redujo a cenizas, y lo hace en tres dimensiones de la mano del realizador neozelandés Peter Jackson.
Jackson, que en 2005 versionó el clásico de terror "King Kong", fue el encargado de transformar al gorila animatrónico en el monstruo digital que pudo verse durante el estreno de la nueva atracción de los estudios.
Según Universal, "es la mayor experiencia tridimensional y la más intensa del mundo".
Gracias a la tecnología digital, los espectadores que acudan a ver "King Kong 3603-D" contemplarán una lucha entre el gorila, dinosaurios y lagartos gigantes.
El filme que dura tres minutos, posee efectos especiales similares a los de "Avatar".
"Es impresionante lo que se ha hecho en cinco años", señaló Jackson (director de la saga "El Señor de los Anillos") en un mensaje de video sobre los avances técnicos desde que rodó su "King Kong".
Quienes visiten la atracción "King Kong 3603-D" recorriendo los estudios a bordo de un autobús podrán sentir el húmedo aliento del primate.
El fuego que se desató por obras en 2008 causó daños millonarios en los estudios. Los escenarios, construidos en madera, fueron pasto de las llamas, igual que el gigantesco gorila de diez metros.
En los decorados que quedaron calcinados se rodaron películas del estilo de "Regreso al futuro" o "Frost contra Nixon”. Gracias a la ayuda de Steven Spielberg se crearon nuevos decorados de Nueva York con rascacielos de más de 15 metros de altura.

Índice
Introducción: página 1-3
● La historia de quienes crearon a Kong: paginas 2-3
Desarrollo: paginas 4-10
● La historia de Kong: paginas 4-6
● El amor todo lo puede: 7-10
Conclusión: página 12
Bibliografía: página 13
Anexo: página 14
Índice: página 15

Entrar en los sueños. La temática de los sueños mostrada en Inception y Paprika, por Agostina Figueredo

Introducción:
Las películas hacen algo más que entretener. Ofrecen visiones del mundo, movilizan deseos, influyen sobre nuestras posiciones y percepciones de la realidad, y nos ayudan a construir un fresco de la cultura y la sociedad. (Morduchowicz, Marcon y Minzi, 2004: 3)

Algo que siempre produce mucha curiosidad en el hombre son los sueños. Algunas personas tienen la capacidad de tener sueños lúcidos , en los cuales uno está consciente de que se encuentra soñando. En psicoanálisis pueden deducirse angustias, deseos o también pensamientos analizando los sueños de una persona. También son un disparador de la imaginación, siendo la musa de muchos artistas, como Salvador Dalí, quien pintaba imágenes oníricas, surrealistas, dignas de un sueño, en sus obras. Lo onírico ha inspirado tanto a pintores como a cineastas, como Akira Kurosawa, quien dirigió 夢 (Sueños) basándose en sueños reales que había tenido durante su vida.
La cinematografía es el arte de contar una historia y comunicar un mensaje. Hay diversos métodos para hacerlo, puede ser, por ejemplo, por medio de la actuación o la animación. Uno de los momentos más importantes de la cinematografía fue la creación del cinematógrafo por los hermanos Lumiére y la primera proyección en público el 28 de diciembre de 1895 en París. Pero la cinematografía no solo se puede manifestar por una grabación, también puede ser desarrollada por la animación.
En 1834 se creó el zoótropo, una máquina con forma de tambor que presentaría una de las primeras formas de animación, en la cual, mirando a través de un corte, al girar el tambor, se observaría la sucesión de imágenes dando la sensación de movimiento. Este fue uno de los primeros avances que llevaron a la aparición del cine.
En el cine tradicional se graban movimientos, en el cine de animación no se graban los movimientos, sino que se generan por diferentes métodos.
La animación es una sucesión de imágenes, que puede darle a las figuras presentadas, la sensación de movimiento. Puede realizarse con técnicas de dibujo o también fotográficas, con una sucesión de fotografías. También las nuevas tecnologías permiten hacer animaciones en tercera dimensión creándolas y animándolas por computadora.
Los orígenes de la animación provienen de la historieta. En el caso la animación japonesa, será en la que se profundizará. Sus orígenes vienen del manga que es el equivalente oriental al cómic americano. En Japón, un manga, al alcanzar cierta popularidad, se lo traslada al animé, como sucedió con Tetsuwan Atomu de Osamu Tezuka en 1963, convirtiéndose en uno de los primeros japoneses en entrar en el campo del cine de animación.
Una de las obras de cine a analizar será Paprika, obra de animación japonesa de ciencia ficción dirigida por Satoshi Kon y estrenada en 2006, basada en la novela homónima escrita por Yatsutaka Tsutsui publicada en 1993(IMDb).
En Paprika una psicóloga trata a sus pacientes por medio de una tecnología que le permite adentrarse en los sueños de estos. Cuando ella se encuentra dentro de los sueños toma la forma de un álter ego llamado Paprika. Algunos de los dispositivos utilizados para adentrarse en el mundo de los sueños y el inconsciente de otra persona son robados, y un policía y la psicóloga deben encontrar al ladrón quien puede causar mucho daño con este dispositivo en su poder.
La otra película con la que se trabajará será Inception, filme estadounidense del director Christopher Nolan, nacido en Londres, en 1970, quien también dirigió The Prestige (El gran truco, 2006) y Memento (Memento, recuerdos de un crimen, 2000). En Inception, vemos un mundo en el que se puede ingresar a los sueños de las personas con la posibilidad de ver dentro de su mente y hasta implantar ideas(IMDb).
En Inception por medio de un aparato que administra sedantes se puede compartir un sueño. Dom Cobb, interpretado por Leonardo Di Caprio, se especializa en el negocio de los sueños, porque por medio de estos se pueden implantar ideas en el subconsciente provocando que la persona a quien se las implantan llegue a creer que son propias.
En este trabajo se analizarán los puntos que tienen en común estas dos películas, su temática onírica, la problemática que presenta el hecho de poder adentrarse en los sueños y los conflictos que presentan los personajes principales.

Detalle del corpus:
Inception:
Inception comienza con una escena donde Dom Cobb se despierta en una playa y es llevado frente a un hombre poderoso llamado Saito. Después de esta escena se pasa a otra donde están Cobb y su socio, Arthur, en un trabajo de extracción. Cobb se dedica a extraer ideas de la mente de personas poderosas y trabajó haciendo esto para algunas empresas muy importantes que lo buscan, pero él, a pesar de ser un experto, no quiere seguir con ese trabajo ya que, por lo que hace, es buscado por el gobierno y no le es posible ver a sus hijos, además de que, por culpa de la posibilidad de adentrarse en los sueños el perdió a su esposa.
La imagen proyectada por la mente de Cobb en sus propios sueños de su mujer, Mal, causada por la culpa que le provocó ser el causante de su suicidio, al implantarle la idea de que vivían en un sueño al pasar mucho tiempo compartiendo uno. Pero la idea de que el mundo donde estaban era un sueño quedo en Mal hasta después de haber despertado y, creyendo que volvería al mundo real que ella quería de esa manera, se suicidó.
La persona a la que querían extraerle información de su subconsciente era Saito, un empresario. El mismo estaba preocupado por el destino de su empresa y, después de liberarse del sueño al cual lo había inducido el equipo de Cobb, le propuso un trabajo a cambio de quitarle todos los cargos por los cuales lo buscaba la policía internacional, permitiéndole ver a sus hijos de nuevo. El trabajo no solo consistía en el secuestro de una persona poderosa, Robert Fisher quien era el heredero de una gran empresa cuyo crecimiento perjudicaba a la de Saito, sino en sembrar una idea en su subconsciente para que disuelva su propia empresa que heredaría en cuanto su enfermo padre muriese. Cobb termina aceptando el trabajo y busca un equipo para llevar a cabo el complicado trabajo de ir a lo más profundo de la mente de Fisher e implantar la idea de que su padre quiere que disuelva su empresa y forme una nueva por sí mismo. El equipo consiste en Cobb, Arthur, Yusuf, Ariadne y Eames.
Al adentrarse en la mente de Fisher pasaron por cuatro niveles de sueño, además del nivel de la realidad, desde donde ingresaron al sedar a Fisher y conectarlo a la maquina cuando tomaba un vuelo en el que también iban todos los demás integrantes del grupo. En primer lugar está el nivel del sueño de Yusuf, el científico químico, que se encarga de inyectar la sustancia que permite a las personas formar parte del sueño. Este sueño se ubica en una ciudad lluviosa en la cual se preparan, encuentran y secuestran a Fisher. El equipo se encuentra en una camioneta y en esta todos son conectados al dispositivo, excepto Yusuf que es el encargado de manejar, escapando de las personas que se presentan en su propio sueño, ya que los que aparecen son defensas mentales que toman una posición agresiva ante los individuos que invaden la mente del que está soñando en ese momento y estos hieren gravemente a Saito, quien había entrado al sueño para verificar que Cobb haga el trabajo. La tarea final de Yusuf es provocar una caída con la camioneta ya que la sensación de caída provoca el despertar.
Al entrar al siguiente nivel, el equipo se encuentra en el sueño de Arthur donde hacen creer a Fisher que el secuestro anterior es real, y que la situación actual es un sueño. Cobb se le presenta como un profesional de la seguridad en sueños creado por su propia mente entrenada para enfrentar a una posible extracción. Fisher es convencido por Cobb para entrar en el subconsciente de su tío Peter Browning, porque según Cobb, fue quien planeó el secuestro para quedarse con la empresa de Fisher. Así, todos los presentes en el sueño vuelven a conectarse para ir a un tercer nivel del sueño. También Eames, el falsificador, quien tomo la forma y el papel del padrino de Fisher para que este lo viera.
El sueño de Eames sucede en un territorio nevado con un fuerte militar donde se protege una idea, que sería la idea que desean implantar en Fisher y por eso necesitan hacer que entre en ese edificio y la encuentre por sí mismo, así el cree que la idea es suya y la acepta. Pero al llegar a la idea, la proyección de la esposa de Cobb interfiere en los plantes matando a Fisher y enviándolo a otro nivel del sueño, el limbo, ya que al tener unos sedantes muy poderosos para lograr tantos niveles de sueños, la muerte que normalmente los despertaría en el mundo real, los transporta a un nivel más profundo del cual es difícil despertar. Entrar en ese último nivel es muy peligroso ya que es un sueño que pertenece a Cobb y su subconsciente tiene tanta culpa que la proyección de Mal solo busca hacer daño y convencer a Cobb de que el mundo real es un sueño y que debe quedarse, pero aun así Ariadne y Cobb entran para salvar la misión, a Fisher y a Saito, que por su herida, está a punto de caer en el limbo. Allí encuentran a Mal, quien termina atacando a Cobb y Ariadne le dispara. Ariadne y Fisher logran volver a la fortaleza y la idea logra ser implantada en el, pero Cobb y Saito quedaron en el limbo. En cada nivel del sueño el tiempo va pasando más lento, cuanto más profundo uno esté en la cadena de sueños, por lo tanto Cobb y Saito quedan atrapados durante muchos años hasta que después de 50 años de estar en el limbo logran salir, después de que todos los demás fueran despertados con una cadena de golpes en los diferentes niveles de sueño provocados por los miembros del equipo que se hicieron cargo de los niveles anteriores al limbo. Todos despiertan en el avión notando que la operación fue exitosa y Saito cumple su acuerdo con Cobb. En la escena final, Cobb deja girando un trompo que es un objeto que le permitía diferenciar el sueño de la realidad ya que en el sueño siempre gira sin parar. Después de esto se ve que el trompo tambalea, pero no cae, y la cámara sigue a Cobb que ese reencuentra con sus hijos, diciéndonos de que Cobb sigue en el limbo viviendo su propia realidad.

Paprika:
Paprika nos transporta a un mundo donde existe una tecnología llamada "DC Mini" (o Mini Digital) que permite ver y formar parte de los sueños de otras personas. Este aparato se crea principalmente para ser utilizado en tratamientos psiquiátricos al tener la oportunidad de ver los pensamientos inconscientes de los pacientes. El personaje principal de esta película es la psiquiatra Atsuko Chiba quien en "el mundo de los sueños" toma la forma de Paprika, una chica joven de pelo corto. Chiba ayuda a un detective llamado Toshimi Konakawa quien está teniendo una pesadilla recurrente la cual le causa molestias. Pero la ayuda que la doctora le da al detective es mediante el uso ilegal de la máquina para ingresar a los sueños por lo tanto ellos tienen sumo cuidado y Chiba utiliza a su álter ego para cubrirse. Este sueño se muestra incompleto y eso es lo que principalmente le molesta al detective Konakawa. Quien la ayuda, y es un amigo de la doctora Chiba, es el doctor Kōsaku Tokita, inventor del dispositivo que permite explorar los sueños. Pero el uso del dispositivo no estaba autorizado por la ley y además esto se ve dificultado por el hecho de que tres de los dispositivos fueron robados. El robo de estos dispositivos provoco una serie de suicidios y problemas los cuales preocuparon a la doctora, quien decidió actuar e investigar junto con el detective lo que estaba sucediendo. Investigando el accidente del jefe del departamento de psiquiatría, el doctor Toratarō Shima, Tokita se percata que en el sueño que casi provoca la muerte de su jefe aparece su asistente en la producción de los DC Mini ya que los sueños pueden ser monitoreados al estar relacionados con el dispositivo de su invención. Así, deducen que el asistente fue el que robo los dispositivos, pero en realidad, este hombre también fue invadido en sueños con lo cual pudo ser controlado para provocar el suicidio. Por estos problemas el uso del DC Mini se prohíbe totalmente ante la decisión de el empresario Seijirō Inui, quien realmente es quien esta detrás del robo de los DC Mini, junto con el investigador Morio Osanai que lo ayuda y le otorga su cuerpo en el mundo de los sueños ya que Inui se transporta en una silla de ruedas, es anciano y esta débil. Siguiendo las pistas en los sueños del asistente de Tokita, Paprika llega a descubrir a Inui, pero es atrapada. Paprika aparece inmovilizada en una mesa donde Osanai le quita la piel, mostrando su verdadera imagen. En ese momento Osanai confiesa que ama a la doctora, pero Inui, quien quiere terminar con su vida pelea con Osanai por el control del cuerpo que los dos estaban compartiendo en ese sueño. El detective llega hasta este sueño mediante su pesadilla recurrente y se lleva a Chiba. En la persecución, el detective entiende que su sueño recurrente es causado por la ansiedad que le provoca no haber terminado la película que estaba haciendo con un amigo cuando era más joven, por eso mismo el tenia una aversión al cine después de eso. Entonces el detective toma el control de su propio sueño y lo cambia, disparándole a Osanai, lo cual lo mata tanto en la realidad como en el mundo onírico, ya que los dos mundos se mezclaron. Las personalidades de Paprika y Chiba se separan y los sueños que se vieron anteriormente vuelven a aparecer en una combinación entre sueños y realidad, lo cual da una impresión de caos. Tokita aparece con forma de robot y traga a la doctora, mientras Inui toma la forma de un ser gigante y oscuro quien quiere tomar el control de todo. Más tarde aparece la imagen de Chiba quien confiesa que estuvo reprimiendo sus sentimientos de amor por el doctor Tokita. Chiba, además, paso todo el tiempo reprimiendo características que tiene su alter ego, quien es cálida y extrovertida al contrario de ella, que es fría y seria. Así, reconciliándose con su propia personalidad, Paprika entra al cuerpo de Tokita. Desde el robot surge la figura de un bebe que crece a medida que aspira aire y que absorbe a la figura que tomó Inui, hasta que toma la forma de una combinación de Chiba y Paprika y acaba con el caos que Inui provocaba.
En el final se ve a Chiba quien ya no reprime sus sentimientos, estando junto a Tokita. Y a Konakawa, al cual se lo ve más tranquilo por haber entendido el significado de su sueño recurrente.

Desarrollo:
Marco Teórico:
El ello, el yo, y el súper-yo forman la estructura del aparato psíquico, conceptos establecidos por Sigmund Freud, el médico y neurólogo austríaco creador del psicoanálisis. En el ello descansan los instintos, deseos y experiencias traumáticas. Conecta lo corporal con lo mental, se rige por el placer y es inconsciente. En el súper-yo yace el código moral y determina las actitudes y motivaciones de un individuo. Señala las situaciones, estados y objetos valorados por la persona, y la conciencia moral para designar las prohibiciones y las sanciones a las que las personas creen que deben someterse. El yo es la parte de la personalidad que se organiza como consecuencia de la influencia del ambiente. El yo se rige por el principio de realidad. Es básicamente consciente y de su dominio en las actividades del sujeto depende la salud psíquica del mismo(Javier Echegoyen Olleta).
Según Freud, el análisis de los sueños es el camino para acceder al inconsciente y en la vida onírica afloran nuestros deseos reprimidos por las barreras que impiden que estos deseos afloren, los deseos más instintivos pertenecientes al ello, que están más presentes en los sueños que en la realidad. Por medio del psicoanálisis esos símbolos que nuestro subconsciente nos presenta pueden ser descubiertos. En el inconsciente se encuentran los deseos, instintos y recuerdos que se reprime parecer inaceptables para uno, fundamentalmente a causa de sus propias valoraciones morales; es la capa más profunda de la mente y se identifica en gran medida con el ello. Con todo, parte del súper-yo también puede incluirse en el inconsciente en la medida en que no siempre el sujeto es consciente de sus propias valoraciones morales y de la actuación de dichas valoraciones en su vida psíquica y su conducta. (Javier Echegoyen Olleta).

Análisis:
En Paprika la doctora Chiba es muy estructurada y seria, su mente está regida en gran parte por su súper-yo, que es muy fuerte y le permite controlarse muy bien a sí misma y a sus impulsos. Pero esto provoca que ella reprima muchos de sus sentimientos, como su amor por Tokita. Por eso su ello, en los sueños, libera muchos de esos sentimientos reprimidos por medio del alter ego de la doctora, Paprika. Este otro yo es desinhibido, divertido y audaz, mostrándonos los deseos mas ocultos que tiene la doctora de ser una persona más espontanea y mostrar sus sentimientos.
En una de las escenas finales de la película, Paprika y la doctora Chiba se encuentran dentro de Tokita, quien había tomado la forma de un robot de juguete en el mundo de los sueños simbolizando su inteligencia e inocencia. La doctora, al meterse dentro del robot para buscar a Paprika, muestra la aceptación de esa parte de su personalidad que siempre negaba. Al juntarse las dos dentro del robot se ve una representación de esa aceptación cuando las dos personalidades se combinan y se aceptan, organizándose y dando forma a un nuevo ser, mas fuerte, por eso mismo del robot surge un bebe que crece cada vez mas hasta desarrollarse y mostrarnos una nueva Atsuko Chiba. Esta aceptación se puede ver en el cambio que tiene la doctora después de solucionar el incidente con el DC mini, donde ella se ve mucho más cariñosa y abierta con Tokita y sus compañeros.
En Inception la presencia del ello de Cobb es mucho más fuerte en sus sueños. Estos dejan ver los deseos, como el mundo propio construido a su gusto que crearon el y su esposa al compartir un sueño o el deseo de que ella siga con vida. Pero también revelan los temores mas profundos, culpas y recuerdos reprimidos, como el suicidio de su esposa provocado al salir de aquel sueño perfecto, ya que ella no distinguía mas el mundo onírico del real por haber recibido la idea en su subconsciente de que ella no estaba en el mundo real y Cobb al originar esa idea, ya no pudo sacarla. Mal, la difunta esposa de Cobb, aparece en varias escenas, pero solo es una proyección en sus sueños. Esa mujer es el recuerdo de culpabilidad que él oculta a sus compañeros pero que no puede reprimir en el mundo onírico.
La escena inicial de Inception nos muestra a Saito envejecido y a Mal que parece estar en contra de todo lo que haga Cobb en casi todos los sueños que muestran en la película. En los sueños, el ello de Cobb se descontrola y la proyección de Mal se vuelve agresiva, tanto que hasta interfiere con los planes y lastima a los demás compañeros que lo acompañan. Ella aparece siempre ya que es una proyección del inconsciente de Cobb que lo tortura, lo culpa de la muerte de su mujer y no lo deja vivir en paz.
Siendo que en los sueños se ve representado lo más profundo del inconsciente, ¿Hasta qué punto dejaría uno entrar a otra persona dentro de sus sueños? En Paprika la finalidad del instrumento era su utilización para el tratamiento de pacientes con enfermedades mentales y ellos no eran conscientes de lo que estaban soñando ya que si ellos fueran conscientes de que estaban soñando hubiera sido lo mismo ser analizados en el mundo real. En cambio en Inception veíamos que la utilización era para cosechar una idea en la mente de otro o extraer información. Pero esta técnica provocó la muerte de la esposa de Cobb, al creer con seguridad, que estaba viviendo en un sueño y que la única forma de despertar era suicidándose, dejando a Cobb con un gran dolor.
Ambos son viajes al inconsciente de cada persona. Y el hecho de permitir que otro entrara en el sueño de uno es revelar el propio inconsciente, la parte más profunda del ser, el ello, sus impulsos, deseos y temores más profundos, por eso mismo Cobb se negaba a hablar de los peligros que podrían sufrir otras personas al explorar dentro de su mente y Chiba ocultaba en sus sueños a su personalidad más reprimida.

Conclusión:
Inception y Paprika nos muestran un modo de adentrarse en la mente de otras personas y poder tener sueños lúcidos por medio del dispositivo tecnológico que permite compartir los sueños.
En ambos films vemos la represión de los sentimientos como una problemática de la que surgen dos personajes: Paprika y Mal. Paprika surge como una representación de los deseos y sentimientos reprimidos por Chiba, en cambio, Mal surge, creada por el inconsciente de Cobb, por la culpabilidad que le provoca a él haber sido el causante de su muerte originándole la idea de que vivían en un sueño. El mensaje que nos dan es que debemos tener un equilibrio con nuestra propia mente, no castigarnos excesivamente por el error para que el pasado no nos aceche como en la mente de Cobb, ni tener una represión de la personalidad como en Paprika para ocultarle al mundo lo que en realidad somos.

Bibliografía:
• El cine de animación, Morduchowicz, Marcon y Minzi, 2004.
• Internet Movie Database (IMDb) - http://www.imdb.com
• Javier Echegoyen Olleta - http://www.e-torredebabel.com/Psicologia

Índice:
Introducción……………………………………………………………………...Pág. 1
Detalle del corpus……………....……………...…………………………………Pág. 3
Inception…………………….…………………………………………………Pág. 3
Paprika………………….…………………………...…………………………Pág. 5
Desarrollo…………………………………………...……………………………Pág. 6
Marco Teórico…………………………………………………………………Pág. 6
Análisis……………………………………………...…………………………Pág. 7
Conclusión………………………………………………………….………….…Pág. 8
Bibliografía……………….………………………………………………………Pág. 9

Control extremo, por Luciano Rodríguez

Análisis de los efectos de sentido que surgen de los avisos publicitarios donde la vida del hombre corre peligro

Actualmente, la sociedad se encuentra bajo el dominio de avisos publicitarios. La publicidad se halla desde los orígenes de la civilización y el comercio. Desde que existen productos que necesitan ser comercializados, ha habido la necesidad de comunicar la existencia de los mismos; la forma más común de publicidad fue la expresión oral.
Parte de lo que se conoce actualmente como publicidad surge con la imprenta de Gutenberg, quien se ocupa de revelar su invento a un grupo de mercaderes de Aquisgrán. Con la crónica mundial de Nuremberg, figuran una serie de almanaques que contienen las primeras formas de publicidad. En 1453, surge la llamada Biblia Gutenberg y los famosos almanaques; estos son pioneros en periódicos impresos. La imprenta permitió la difusión más extensa de los mensajes publicitarios y, con la aparición de nuevas ciudades, la publicidad se consolida como instrumento de comunicación. La publicidad moderna comenzó a evolucionar en Estados Unidos y Gran Bretaña a finales del siglo XVIII durante la época de la revolución industrial. En esta época, aparece también la figura de los agentes de publicidad; entre ellos se conoce como al primero a Volney B. Palmer quien, en 1841, inauguró en Filadelfia una oficina con la cual obtuvo un considerable éxito. A principios del siglo XX, las agencias se profesionalizan y seleccionan con mayor rigurosidad los medios donde colocar la publicidad.
Es así como la creatividad comienza a ser un factor importante a la hora de elaborar un anuncio. Existen varias formas de comunicarle al receptor o televidente, la aparición de un nuevo producto en el mercado, advertirle de una promoción, explicarle nuevos usos de un determinado producto, etcétera, pero no todas las publicidades llegan a repercutir en la sociedad.
Hoy en día, eso es lo que se busca: interrumpir la vida de la audiencia durante entre 10 y 60 segundos de una publicidad en televisión o que la audiencia fije su atenta mirada a cualquier aviso publicitario, que logre causar en el receptor la idea de que por consumir ese bien o servicio, su figura será la misma que la que expone la propaganda. A esta se refiere Roland Barthes, escritor, ensayista y semiólogo francés, cuando teoriza acerca de la “Participación mágica por acercamiento”. Pero, a la hora de que esto resulte realmente eficaz ¿es necesario recurrir a estereotipos riesgosos, en determinadas situaciones de la vida cotidiana, para ganar la atención de la audiencia? El resultado que se busca ¿es solo la atención?

En la actualidad, parece ser que hay ciertos factores que suelen ser más interesantes y efectivos a lo hora de vender un producto, y que en muchos casos son utilizados por grandes marcas. Recurrir a la inclusión de factores de riesgo. Aquí, se entiende a “riesgo” como toda situación en que una persona tenga que cumplir con su objetivo poniendo su vida en peligro o elija exponerse a los rigores de la naturaleza por una cuestión de hobby, aceptando la posibilidad de la muerte.
Posiblemente, utilizar esta forma de publicidad “resaltando el efecto que el consumo del producto o el producto mismo provoca en los ’otros’ más que la utilidad que el producto pueda o no brindar.” hace creerle al receptor que “al consumir este producto, el consumidor adquiere una "imagen" que provoca admiración” . Por eso este recurso intenta darle un efecto de sentido diferente, y al mismo tiempo otorgarle al producto que se quiere vender, un valor que lo ubica fuertemente en la sociedad. Y no es posicionado de esta manera en la sociedad sin justificación alguna.
Hoy en día, la vulnerable sociedad es estudiada por grandes pensadores, como Ulrich Beck. Este sociólogo alemán que estudia aspectos, como la modernización, los problemas ecológicos, la individualización y la globalización, ha contribuido también con nuevos conceptos a la sociología alemana. Entre ellos, la denominada “sociedad del riesgo” que es, tal vez, uno de sus aportes fundamentales y con mayor relevancia. Según Beck, la sociedad actual se encuentra en una fase de desarrollo en la que los riesgos sociales, políticos, económicos e industriales tienden cada vez más a escapar a las instituciones de control y protección de la sociedad industrial.
Por eso, a la hora de elaborar la publicidad para cualquier tipo de producto, siempre se intenta estudiar a la sociedad moderna para que cuando el mensaje llegue al receptor, este lo haga con intenciones profundas de manipulación, ya que su finalidad es la de seducir, persuadir y convencer a la gente la necesidad de adquirir ese bien o servicio. Ese que puede ser innecesario para subsistir en esta sociedad consumista. Por eso, para lograr el objetivo, ¿la publicidad debe valerse de maniobras riesgosas que logren atrapar la atención del receptor?.
En este trabajo, se analizaran los efectos de sentido que produce la publicidad al promocionar su producto o servicio, mostrando momentos de la vida en que la misma corre peligro. Para poder lograr con el objetivo, se observarán publicidades de revistas y diferentes propagandas, como corpus de texto. El mismo estará compuesto por propagandas de grandes marcas, como es el caso de Pepsi, Nissan, entre otras.
El proceso comunicativo.
La publicidad debe ser abordada y analizada desde diferentes perspectivas. Desarrollaremos los diferentes aspectos y elementos que están inmersos en la publicidad, cómo funciona y qué se entiende por publicidad. También, tenemos que saber que esta debe cumplir con diversos objetivos mercantilistas o de la misma comunicación, para alcanzar lo que se busca. Para eso, la publicidad siempre ha tenido en cuenta las actitudes y los comportamientos de la población. Además, observaremos a críticos y especialistas que han aportado su conocimiento o ideología, para poder analizar las imágenes publicitarias. Al igual que diferentes sociólogos y antropólogos que, durante años, han estudiado los comportamientos del hombre. Es evidente que el hombre es el principal y único eslabón para que las empresas competitivas concreten exitosamente sus ventas.
El proceso de comunicación de una publicidad, puede resultar complejo, ya que el mensaje que se quiere transmitir, no se hace de forma directa, si no en varias instancias. En cualquier proceso de comunicación se halla un emisor, quien se encarga de transmitir el mensaje. Esta persona elije y selecciona los signos que le convienen, es decir, realiza un proceso de codificación; codifica el mensaje. El emisor tiene como propósito enviarle el mensaje a través del medio a un receptor, quien será aquella persona a quien va dirigida la comunicación; esta última realiza un proceso contrario al que realiza el emisor. El receptor descifra e interpreta los signos elegidos por el emisor; es decir, descodifica el mensaje. El proceso de comunicación que emplean códigos precisa de un canal para la transmisión de las señales. El canal sería el medio físico a través del cual se transmite la comunicación. Cuando hablamos de códigos publicitarios, tenemos que saber que este funciona desde dos registros. Uno es el verbal y el otro el visual. El primero tiene la función de fijar el mensaje ya que muchas veces el visual no cumple solo la función de comunicar, por esto se debe apoyar del registro verbal para alcanzar los objetivos de comunicación.
Para que la comunicación sea eficazmente establecida, el emisor y el receptor deben estar en la misma “longitud de onda”; es decir el mismo léxico debe servir al emisor que codifica y al destinatario que descodifica el aviso. En caso contrario, no estaríamos hablando de comunicación. Para que la comunicación se establezca de manera eficaz deben ser satisfechas dos condiciones: por un lado es necesario que el anunciante y la audiencia tengan una parte de su campo de experiencias en común, en otros términos, que sean capaces de hablar y de comprender al menos un lenguaje y conceptos comunes. Y por el otro es imprescindible que el mensaje sea expresado en función de esta comunidad de experiencias, en donde el hombre pueda sentirse representado, o tenga la intención de compararse. Por eso al momento de pensar, y armar una publicidad se debe tener en cuenta muchos factores, que hoy en día, tienen una fuerte repercusión en la sociedad.

La publicidad

Es necesario tener en cuenta la conceptualización que recibe la publicidad para poder comprender y alcanzar los objetivos del trabajo.
Según La Real Academia en su vigésima segunda edición, por publicidad se entiende, conjunto de medios que se emplean para divulgar o extender la noticia de las cosas o de los hechos. Y también como divulgación de noticias o anuncios de carácter comercial para atraer a posibles compradores, espectadores, usuarios, etc.
Al mismo tiempo, en El Discurso de La Publicidad, Raquel Prestigiacomo define a la publicidad de la siguiente manera:
“Con este nombre se designa a una actividad que fija e indica los medios mas adecuados para atraer la atención sobre determinados productos y servicios. La publicidad es actualmente una herramienta indispensable para la competencia empresarial y la agilización del consumo. Su función primordial es crear la necesidad de adquirir los productos o servicios anunciados al mismo tiempo que provocar y regular la demanda.” (Prestigiacomo, 1997: 11)
Por otro lado, el Estatuto de la Publicidad de 1964, la define a esta como toda información comercial pagada por un individuo o una sociedad, cuya finalidad reside en atraer la atención del público hacia una determinada persona, producto o servicio, con el fin de promover de modo inmediato su contratación. Mientras que la Ley General de Publicidad de 1988, entiende por publicidad: Toda forma de comunicación realizada por una persona física o jurídica, pública o privada en el ejercicio de una actividad comercial, industrial, artesanal o profesional, con el fin de promover de forma directa o indirecta la contratación de bienes muebles o inmuebles, servicios, derechos y obligaciones.
La publicidad, básicamente, es una forma de comunicación, que se realiza a través de diversos medios, dirigida a un público al que se trata de persuadir o incitar al consumo de productos o servicios. Por esta cuestión, la publicidad es importante para los anunciantes porque atrae más clientes para ellos y así incrementan sus ganancias. Pero a esto, no se nos puede escapar, la idea de que en el anunciante, así como también, en los clientes, intervienen diferentes factores. Como por ejemplo: competencias comunicativas (capacidad lingüística y paralingüística, conocimientos culturales, históricos, sociales, entre otros), determinaciones psicológicas y, restricciones y convenciones de cómo debe y puede expresarse el mensaje.

El mensaje publicitario

El mensaje publicitario se fundamenta en varios puntos claves: Primero, en el Beneficio clave al consumidor, es decir, por qué el consumidor deberá comprar su producto. Por otro lado, debe haber un Apoyo, una especie de razón para creer en ese beneficio. Y por ultimo el estilo, es decir, el tipo de comunicación que deseamos para nuestra publicidad.
El mensaje publicitario debe adaptarse al público al que se dirige. El anuncio debe lograr llamar la atención, ser impactante pero a la vez transmitir un mensaje. El mensaje tiene que ser adecuadamente entendido, y por tanto descodificado por los receptores, para que haya una correcta comunicación. Ferraz Martínez, en El Lenguaje de La Publicidad, comenta que todos los mensajes canalizados a través de los medios de comunicación social contribuyen a la denominada cultura de masas. (1993: 2-8)
A propósito de este fenómeno, la publicidad va creando en la mentalidad del receptor los estereotipos o imágenes de marca que ella quiere promover. Por tal motivo, ésta se apoya en valores de carácter simbólico asociados de manera estable a los productos; los cuales se convierten en signos sociales de distinción, éxito, juventud, modernidad, atracción, poder, entre otros. Dándole así más peso a lo persuasivo que a lo informativo. Este mismo autor comenta que los mensajes publicitarios no se codifican normalmente con un único lenguaje, sino que son el resultado de una conjunción de lenguajes, perteneciendo así a la categoría de los mensajes múltiples. En los cuales, entran signos de diversa naturaleza, que son percibidos por distintos sentidos.
Según el semiólogo Juan Magariños de Morentin, en El mensaje publicitario, el mensaje es una propuesta elaborada por uno o varios emisores con el objeto de que uno o varios receptores la interpreten como portadora de determinada significación.
En cuanto al mensaje publicitario, Barthes diferencia tres tipos de mensajes: por un lado, el mensaje lingüístico, formado por la componente escrita o auditiva. Por el otro, el mensaje icónico codificado, constituido por diferentes elementos de las figuras que se traducen en un significado de carácter cultural. Y por el último, el mensaje icónico no codificado, comprende el mensaje transmitido por los objetos reales de la situación que se expone. Estos tres elementos están estrechamente relacionados en el mensaje publicitario. El componente lingüístico permite atribuir al mensaje icónico uno de los sentidos posibles, lo que se denomina “anclaje del sentido”. Este anclaje se efectúa en dos niveles distintos, según se trate de la componente icónica codificada o no codificada. En el primer caso el componente lingüístico actúa identificando los objetos, mientras que en el segundo caso, la función lingüística es la de guiar la interpretación del mensaje icónico. Es decir, se origina en el primer caso lo que podríamos denominar una “denotación”, con la que el significado se establece de forma automática y casi universal. Por el contrario, en el segundo caso, tiene lugar una “connotación”, es decir, una serie de evocaciones, a través de recuerdos o ideas, en un determinado sentido, pero con interpretación múltiple.
Con respecto al mensaje visual de la publicidad, según El discurso de la Publicidad de Editoriales Colihue, hay diferentes signos simultáneos que lo conforman. Los mismos cuentan con distintos componentes como las denotaciones, las iconografías, las figuras y los lugares comunes . Las denotaciones es aquello que se refiere a lo que la imagen muestra en sí misma, sin interpretaciones de ninguna clase, mientras que las iconografías son que han adquirido una forma y un sentido fijos.
Por otro lado, en las figuras, podemos encontrar varias de ellas, pero en especial “La Participación mágica por acercamiento” de Roland Barthes. Este determinó la idea de que el receptor se ve identificado a la figura que se encuentra creada en la publicidad, en donde este tiene la ilusión de que por "acercarse" al producto, tendrá los mismos beneficios que la figura que aparece en la publicidad. Crear una figura fuerte, valiente y envidiable, es lo que moviliza al receptor adquirir ese producto.

Miradas profundas

Esta intención de mostrar “aquello que queremos ser y no somos” es lo que hoy induce a la sociedad a invertir tiempo y dinero para ser esa pseudo imagen vista en una simple propaganda. Y hablamos de una falsa imagen, no porque no exista la persona que se esta mostrando en la propaganda, si no porque muchas veces los escenarios o bien, las propias propagandas son irreales. Para poder comprender esto, podemos observar las imágenes que se encuentra en el anexo (Imagen 1 y 2). La primera es sobre un desodorante cuya marca es Axe. Esta muestra cómo tres mujeres rescatistas muy bellas, son atraídas por el perfume que posee el naufrago. Agregándole la idea de que por más que el tiempo pase y estemos perdidos, sin la rutina de bañarse todos los días, la fragancia de Axe perdura. Además, de que el escenario es una balsa en el medio del mar, donde parecen estar muy bien sin ningún tipo de dificultad. Esto es lo que hace que una imagen sea falsa, porque si bien es verdad que podemos naufragar, cuando lo que no podemos es ser rescatados por tres bellas mujeres, que al momento del rescate sean atraídas por el perfume de Axe y prefieran sentirlo, antes que preservar la vida humana. Lo mismo, podemos verlo en la segunda imagen, donde la chica se sostiene de las turbinas del avión. Esto evidentemente es imposible, la vida de la chica “corre peligro”, si vamos a tomar la imagen como verdadera. Esta de más aclarar, que es una imagen con una gran producción de efectos visuales. Pero lo que se quiere mostrar en ella, es la clase de persona (fuerte, segura) que uno es viajando en ese tren y la rapidez con la que se puede viajar en el mismo. Por eso la cuestión de “agarrarse de las turbinas”. Sostenerse de las turbinas es como sostenerse de cualquier baranda del tren, haciendo como una especie de paradoja, viajar en Cat, es como viajar en avión. En el mismo sentido, su refrán dice: “Fly the train” (volar el tren).
Por otro lado, en Las Formas Ocultas de la Propaganda de Vance Packard, podemos encontrar diferentes “necesidades ocultas”, que fueron determinadas por el autor. Una de ellas, la de “vender inmortalidad” es la que esclarece algunas de las imágenes que encontramos en el anexo (Imagen 3 y 4 ). El concepto de “Vender inmortalidad” es utilizado comúnmente por aquellos vendedores quienes convencen especialmente a la población masculina de que utilizando este bien o servicio, en caso de cualquier imprevisto, él y su entorno podrían estar a salvo. Dejando así una especie de legado a el hombre, que otorga seguridad y calidad al producto. La propaganda que utiliza esta práctica está centrada en representar al hombre como el único héroe valiente, quien en momentos limites protege y resguarda la vida humana, “cueste lo que cueste”. En estas imágenes, está en evidencia la cuestión de la inmortalidad. En la imagen 4, una camioneta Nissan atraviesa una especie de muro, que a la vez se ve como una montaña. A lo que vamos con esto, es que es el hombre quien maneja estas “maquinas”, es el mismo que “se atrevió a cruzar esa especie de muro”, porque evidentemente confía en el producto. Por esta cuestión, esta creativa publicidad vende inmortalidad porque da la sensación de que la camioneta es indestructible, sin ocasionarle daños al hombre, además de que brinda la confianza necesaria con extrema sutilidad. Lo mismo podemos sospechar en la imagen 3, donde una Hilux, camioneta cuya marca es Toyota y cuyo mensaje lingüístico es “unstoppable” (imparable), está “haciéndole frente al mar”; esta imagen da la sensación de que tranquilamente, Hilux podría atravesarlo. Es lo que la marca quiere mostrar cuando usa esa palabra, diciendo que con esa camioneta, el usuario va a ser incontrolable, atreviéndose a cualquier cosa que la vida le presente. En estas imágenes, podemos observar las dos estructuras determinadas por Rolanda Barthes, en el mensaje fotográfico. Según este semiólogo francés, en toda imagen, básicamente encontramos dos estructuras que se interrelacionan. La estructura verbal o lingüística y la estructura fotográfica o imagen. En consecuencia a estas dos partes, la totalidad de la información se sostiene sobre estas dos estructuras concurrentes. La primera está formada por palabras (mensaje connotado), mientras que la segunda está compuesta por líneas, planos y tintes (mensaje denotado). Mientras que la imagen ilustra, el texto lo hace más claro. Cuando el texto connota la imagen la oscurece, la sobrecarga, imponiéndole una cultura, una moral, una lógica, básicamente una ideología.
Tan es así, que a veces la cultura que se trata de imponer con los mensajes no suele ser aconsejable, y a veces, peligrosa. La imagen 5 del anexo, una propaganda de Hot wheels , posee un mensaje lingüístico y uno fotográfico, como en las mayorías de la imágenes publicitarias. Si analizamos la forma en que el mensaje verbal esta expresado, podríamos darnos cuenta de que este rompe con ley. En la publicidad dice “Do not try this at home” (enunciado en una señal de transito) mientras que “not” esta tachado, diciendo así “Do try this at home”. No solo impone como cultura, el desobedecer las reglas, si no que incita a los niños a la violencia, con el mensaje visual.
Con esto se hace interesante explicar por qué es necesario mostrar en las publicidades actuales, el riesgo en cualquier situación de la vida cotidiana que podría o mejor dicho, debería ser normal. La sociedad, desde niños hasta adultos, siente un gran interés o es atraída en su gran mayoría por las publicidades riesgosas o que poseen la presencia de cualquier acción donde la vida corre peligro. Será que vivimos en la “sociedad del riesgo”. Ulrich Beck denomina a esta sociedad como la sociedad del riesgo. Una de las principales características de la sociedad de Beck es que las fuentes colectivas que dan significado a la sociedad, se agotan y el individuo busca de forma independiente, una identidad en la nueva sociedad. "En situaciones de clase el ser determina la conciencia, mientras que en situaciones de riesgo es al revés, la conciencia (el conocimiento) determina el ser" (Beck, 1998: 59)
Hoy en día, como se han agotado las pequeñas simplezas de la vida que caracterizaban e identificaban al ser humano, se intenta buscar una nueva identidad en la nueva sociedad por medio de distintas expresiones. Por ejemplo, uno de los fenómenos de nuestra sociedad que en los últimos años ha marcado y clasificado al ser humano, es la fascinación por los deportes extremos o por cualquier actividad riesgosa. Esta fascinación por estas actividades y por estos deportes se ha instalado en la sociedad para quedarse. Hace algunos años su práctica era una especie de pasatiempo excéntrico de “niños bien”. Pero lo cierto es que cada vez son mas las disciplinas que se suman a la oferta de los deportes extremos y cada vez es mayor la repercusión que estos tienen en la sociedad. Por eso grandes marcas han aprovechado este fenómeno y la fascinación que la sociedad tiene por este, para crear sus famosas y manipuladoras propagandas.
Este es el caso de Pepsi , que en los últimos años en sus propagandas, ha tenido un gran interés por mostrar a este fenómeno, como complemento principal de sus propagandas. Las imágenes 6, 7, 8 y 9 muestran claramente esta cuestión de los deportes extremos. Si observamos las tres propagandas, en algún lugar de la misma, podemos encontrar a una persona practicando estas actividades extremas. En la imagen 6 podemos ver en la ola a un surfista, en la 7 una persona practicando snowboard , en la 8 una persona haciendo rappel y por ultimo, en la imagen 9, una persona realizando Ala delta . Todos estos deportes de riesgo le dan un sentido a la propaganda. Además podemos observar que el escenario lleva los colores del logo de la marca, y que estos generalmente, son montañas o mar. Estas propagandas también tienen un mensaje visual y uno lingüístico. El mensaje lingüístico de estas propagadas es: “Dare for more”, que significa “Atrévete a más”. Esto claramente incita al publico al consumir la gaseosa; por lo que anteriormente vimos, Pepsi quiere dar la sensación de que consumiendo su producto, siempre nos atrevemos a mas y que “somos tan extremos” como aquellas personas que realizan esos deportes.
Esta tendencia de mostrar lo extremo en las propagandas no es solo una idea de la marca de gaseosas Pepsi, si no que también Viceroy, una marca de cigarrillos, y Quicksilver, una compañía australiana especializada en la elaboración del material y ropa de surf, skate y snowboard, han implementado esta técnica tan interesante para atrapar al publico. Más allá de que Quicksilver se dedique a estos deportes y la mayoría de su público los realice, tanto esta como Viceroy muestran en sus publicidades (Imagen 10 y 11), algunos de los deportes ya antes mencionados. El mensaje de verbal que nos deja la propaganda de Viceroy es: “El placer de superarse”. Todas estas propagadas y sus mensajes, están relacionado con todo aquello que este relacionado a la superación de uno mismo, siendo este un tema fundamental en la actualidad del hombre. Y cuando hablamos de la superación personal, nos referimos principalmente al deseo de ser cada día mejor, dándonos la idea de que por seguir esta cultura del riesgo vamos a superarnos y a ser superiores que los demás.

“Publicidad” y “manipulación” son sinónimos
Actualmente, se puede hablar de la publicidad como aquella herramienta usada para promocionar un bien o servicio, capaz de manipular al público, haciendo que este crea y confíe en el producto. Este medio competitivo parece ser que solo beneficia a aquellos empresarios cuyo objetivo es imponer sus productos como únicos y confiables en el mercado, dejando así, a los consumidores sin la oportunidad de elegir.
Las publicidades del presente no son un simple conjunto de imágenes que le ofrece al público la posibilidad de optar entre varios productos. Como su principal condición es su naturaleza persuasiva, necesita estudiar y comprender al ser humano para poder manipularlo eficazmente. Por eso, su intención no es solo ofrecernos su producto, si no penetrar en nosotros, para que elijamos a ese producto sin pensarlo. Trasformándonos, y haciendo que nuestros intereses sean lo que los dueños de las empresas quieren que sean. Es decir, perder nuestro propio interés y consumir lo que los demás nos imponen. Porque en definitiva, lo que se busca es que nosotros mismos nos trasformemos, solo por tener la idea de que si nosotros cambiamos y tratamos de parecer como aquella imagen que la publicad nos esta vendiendo, vamos a ser envidiables o mejores que los demás. Sin darnos cuenta que es algo inútil, que no podemos cambiar nuestra esencia y rutina, para ser superiores al resto.
Por eso mismo, para que la publicidad sea realmente efectiva y pueda manipularnos, debe valerse de cosas reales. Como pudimos observar en el desarrollo del trabajo, todas aquellas imágenes publicitarias, parecían ser reales porque sus elementos eran cotidianos y actuales. Quizás sea la situación o diferentes cosas que hace que una propaganda sea ilusoria o simplemente, irreal.
Pero estamos tan mediatizados, que somos capaces de considerar que nuestra vida es como las ingenuas propagandas dicen que es. Y en caso de que nuestra vida no sea así, como muestran las propagandas, hacemos lo que sea para que esta sea como el modelo de vida que vemos a diario, en revistas o en televisión.
Al tomar a las propagandas como ejemplos de vida, también adquirimos de estas, los prejuicios y los problemas. Aunque muchas de ellas, presentan un mundo divertido, soñado y sin problemas, es solo para hacernos creer que aún podemos vivir en un mundo así, gracias a que consumimos sus productos. Y tan fuerte es su poder persuasivo, que la publicidad nos crea ese mundo imaginario en él que todos quisiéramos ser protagonistas, y que para ser parte de ese, debemos acceder a sus culturas. Por eso es necesario recurrir a diferentes estereotipos, como es en el caso de los deportes y actividades de riesgo. Esto se muestra por una cuestión de que el hombre vive en la sociedad del riesgo y que realmente, es atraído al ver esto en las propagandas. Somos atraídos porque es algo que nos puede llegar a diferenciar del resto, o mismo, porque crea una identidad difícil de alcanzar. Además realizar distintas actividades extremas te posicionan en un lugar de la sociedad con un gran nivel, en el que muchos quieren estar hoy en día. Por eso, estos factores que podemos ver en las propagandas, contagian, atrapan y cautivan a diario al público, imponiendo estos deportes como parte de la moda actual.
Pero al mismo tiempo, son cada vez más los recursos y las innovaciones que son necesarias en la publicidad, para poder atrapar al público. Lo que ayer nos llamaba la atención, hoy ya “no nos mueve un pelo”. Es difícil de entender esto, pero seguramente es porque somos seres humanos que siempre necesitamos de algo nuevo, algo que en lo posible, supere a lo anterior. Será que nunca nos conformamos y siempre estamos queriendo más de la cuenta.

Referencias bibliográficas

Prestigiacomo, R. (1997) El discurso de la Publicidad, Ediciones Colihue.
Packard, V. (1957), Las formas ocultas de la publicidad, Buenos Aires: Sudamericana.
Ferraz Martínez, A. (1993) El lenguaje de la publicidad, Arco libros
Beck, U. (1998) La sociedad del riesgo: hacia una nueva modernidad, Ediciones Paidós Iberica. S.A.
Magariños de Morentin, Juan (1991) El mensaje publicitario, Buenos Aires: Edicial S.A

INDICE
Introducción………………………………………..….1
El proceso comunicativo…………………………..…. 3
La publicidad……………………………………...…...4
El mensaje publicitario…………………………..….... 5
Miradas Profundas……………………………………..6
“Publicidad” y “manipulación” son sinónimos…….....10
Índice…………………………………………………13

Tiempo de problemas, por Jimena Parturlane

Análisis del fenómeno de la Transposición en El problema (letra y videoclips) y Minutos (letra y videoclips), de Ricardo Arjona

Arte, del Clasicismo a los videoclips
A lo largo de la historia, el arte se entiende como cualquier actividad que realiza el ser humano, a través del cual, se genera la constante búsqueda de creatividad y originalidad por quienes lo practican. Pero vale aclarar que no existe una única forma de expresarlo; hay artes plásticos, lingüísticos, sonoros, visuales y mixtos, entre otros.
Por medio del arte se interpretan ideas y valores que muchos artistas transmitieron con la creación de una pintura, moldeando una escultura, escribiendo un libro, una poesía o una canción, dirigiendo un video.
Se debe tener en cuenta que el arte en sí o su manera de expresarlo puede significar una forma de calificación individual o colectiva. Gracias a variadas expresiones artísticas se fueron definiendo, en distintos períodos históricos, una diversidad de movimientos que agrupaban el arte de su época, que coincidía en características de expresión, bajo un mismo nombre o una misma denominación: el Clasicismo, Romanticismo, Surrealismo, Dadaísmo, etc.
Muchos artistas, referentes de cada movimiento en particular, buscaron su cualidad específica que los caracterizara o diferenciara del resto. Ya que varios de ellos poseían, y poseen, similitudes en poner el énfasis en determinados asuntos, se los engloba en un mismo grupo, en un mismo movimiento artístico.
En Europa, y remontándonos a la época del Clasicismo (1730-1820), sus referentes se vieron influenciados e inspiraron su creación en el arte Grecolatino. Se denomina así, al arte que nos ha llegado y legado la Antigua Cultura Griega, abarcado entre los siglos VI y II a.C. En las manifestaciones de dicho período resultaban claves las representaciones del ser humano, en cuanto a su apariencia y si interioridad.
Como reacción al mismo, para finales del siglo XVIII en el viejo continente, surge, y en contraposición, el Romanticismo, el que vino a romper con una ideología estructurada en las expresiones del arte, y buscó, a su vez, demostrar, por medio de sus obras, la profunda relación del hombre con su entorno.
El arte se puede concebir de diversas maneras y estilos. Texto es todo aquello que puede interpretarse viéndolo, leyéndolo, escribiéndolo, pintándolo, inclusive, cuando dialogamos estamos en medio de un texto; en tanto, el arte estaría expresado como texto; textos distintos, pero al fin y al cabo son textos, que se trascienden a sí mismos, es decir, transtextualizan.
Retomando esta relación del hombre con su entorno, se puede decir, que, la existencia de la Transtextualidad y sus interpretaciones y manifestaciones en cantidad son afirmativas. Gerard Genette dice que siempre existe una relación entre los textos, denominada Transtextualidad. Es decir, se trasciende hacia otros textos.
Por lo tanto, si consideramos el arte como texto, y aplicando la definición que da Genette de Transtextualidad, todas las manifestaciones artísticas están relacionadas. Hay presencia de textos en otros textos.
Uno de los escritores e intelectuales, autor de muchas obras en las que el recurso de la Transtextualidad se hace presente, es Jorge Luis Borges. La Casa de Arterión, refleja una clara y familiar relación con el mito de Teseo y el Minotauro ; El Fin, y, Biografía de Tadeo Isidoro Cruz, por su parte, demuestran una magnífica y nueva interpretación (para quienes realizan un profundo análisis de ambos textos) de El Gaucho Martín Fierro, y La vuelta del Gaucho Martín Fierro de José Hernández.
En muchas ocasiones, esta relación entre textos suele expresarse entre las letras de canciones de un determinado autor, con el videoclips que se hace de ellas mismas. Pero también es cierto, que en muchas ocasiones, nos solemos preguntar, ¿qué relación tiene el videoclips que vi, con la canción que terminé de escuchar? Estas cuestiones, a su vez, crean mayor cantidad de interrogantes y nos hacen sumergir en una atmósfera de búsqueda de relaciones y descubrimientos, a través del análisis de elementos (visibles o no) que pueden tener un gran significado y desconocerlo, o ser, sin suponerlo, las respuestas a nuestros interrogantes.
Cuando se hace música por supuesto también se está expresando arte. Al igual que las pinturas o la literatura, la música se agrupa bajo distintos movimientos, en este caso, denominados Géneros Musicales. Se puede decir que son categorías que reúnen o comparten variados criterios, en su mayoría musicales, tales como rítmos, instrumentos, caracterizaciones armónicas y melódicas. Pero también puede clasificárselos por características del período histórico, la región del mundo en donde surge, el contexto socio-cultural, entre otras, las que no son específicamente propias de la música. A su vez, los Géneros poseen subgéneros.
En todo el mundo hay cantautores que no pueden definir con exactitud su género, ya que su música mezcla el amor con los problemas sociales, utilizando melodías rockeras, románticas-melódicas, salsa, etc. Tal es el caso de Joan Manuel Serrat, Joaquín Sabina, Ismael Serrano, Maná, Scorpions, entre otros.
Uno de los más influyentes en Latinoamérica en esta mezcla de subgéneros, es el cantautor guatemalteco Ricardo Arjona (ver imagen en Anexo). Nació el 19 de Enero de 1964, y actualmente se encuentra radicado en Méjico.
Cuando anteriormente se habló de la Transtextualidad entre letras de canciones y sus respectivos videos, existen dos, en los que particularmente las letras no están relacionadas, pero los videos de ambas les crea una relación inimaginada. Nos estamos refiriendo a El problema (letra y videoclips), y Minutos (letra y videoclips), grabadas (ambas) en el CD Santo Pecado, de Ricardo Arjona.
Es muy frecuente encontrarse con personas fanáticas de esas dos canciones y que no hayan entendido o comprendido el significado expresivo o representativo de dichos videoclips.
El objetivo de este trabajo es analizar el fenómeno de la transposición en el corpus citado y cuál es el efecto de sentido generado. En cuanto a este último, se presenta la afirmación o hipótesis presuntiva de un efecto sagático entre los dos videos.
Cuando nos referimos a saga, se está queriendo expresar la presentación de una narración, película, y en este caso videoclips, que forman parte de una misma secuencia de hechos, en los que participan (en la mayoría de los casos) los mismos personajes, o bien sacando o agregando a otros. Dicha secuencia de hechos, siempre hablando en los términos de saga, se encuentran divididos en episodios, tomos, actos, etc.; pueden ser, por ejemplo, El Señor de los anillos (La Comunidad del anillo, Las dos torres, El retorno del Rey), Stars Wars (Episodios I, II, III, IV, V y VI), entre otros.

El fenómeno de la Transposición
Gerard Genette dice que no se debe considerar al texto como objeto de la poética. El texto en sí es el asunto de la crítica. Para Genette el objeto mismo de la poética es la trascendencia textual del texto, mejor conocida como Transtextualidad, “todo lo que pone un texto en relación, manifiesta o secreta, con otros textos” (Madrid: Taurus, PP. 53-62).
Se reconocen cinco tipos de Transtextualidad o relaciones transtextuales que son la Paratextualidad, Arquitextualidad, Intertextualidad, Hipertextualidad y Metatextualidad .
Se define o se puede entender por Paratextualidad a la relación que el texto, propiamente dicho, mantiene con su paratexto, ya sean títulos, subtítulos, prólogos, epílogos, intertítulos, introducciones, etc.
Según Gerard Genette, se puede hablar de Arquitextualidad cuando existe una relación del texto con el conjunto de categorías a las que pertenece (modos de enunciación, tipos de discursos, géneros literarios). A veces esta relación es expresada o articulada por una mención paratextual (titular, ensayos, poemas, novelas), pero en la mayoría de los casos es implícita.
Por Intertextualidad se define la relación de existencia o co-presencia entre dos o más textos, es decir, el hipertexto está presente en el hipotexto. Esta co-presencia se puede manifestar en forma de cita, plagio, o alusión.
El corpus a analizar son letras de canciones con sus respectivos videoclips. Se puede decir que estos videoclips se realizan para representar o comentar de alguna manera u otra lo que se está expresando en las canciones. Justamente, el siguiente tipo de Trantexualidad es la Metatextualidad, que se entiende por la relación de comentario que une un texto a otro texto del cual está hablando, e inclusive, en ciertas ocasiones, puede llegar a no citar. Se dice que es la relación crítica, es decir, la crítica de un texto a otro.
Para realizar el análisis del corpus citado tenemos que recurrir al fenómeno de la Tranposición, y para ello anticiparnos al concepto de la Hipertextualidad. Siempre existe un Hipotexto, o también llamado texto original, del cual va a derivar el otro, que es el que nos llega a nosotros los lectores, llamado Hipertexto. El Hipotexto está presente en el texto derivado sólo implícitamente, es decir, de manera no textual.
El Hipertexto puede derivar por transformación. El texto que deriva de otro se lo pude transformar de alguna manera. En dicha transformación, el hipertexto se separa del texto original para así lograr una creación original (y valga la redundancia) con características y sentido propio. Existen tres formas distintas para emplear la transformación de textos que son la parodia, el travestimiento, y, en este caso, la más importante, la transposición.
En la Tranposición el hipertexto se separa o aparta de su texto original. “La amplitud textual y la ambición estética o ideológica del hipertexto llevan a ocultar o a hacer olvidar su carácter hipertextual” (Madrid: Taurus, PP. 53-62).
Volviendo a la Transposición, es un fenómeno muy presente, y se podría mencionar que muy utilizado, inconscientemente tal vez, por las sociedades contemporáneas. Pero para dejar más en claro, la Transposición se puede definir como “la operación social por la cual una obra o un género cambian de soporte y/o de sistema de signos” (Bermúdez: 2008). Esto es, en otras palabras pasar, transportar o trasformar una obra literaria en una obra cinematográfica por ejemplo.
En la Transposición se está planteando un cambio de género, por lo tanto, esto conlleva, en muchas circunstancias, a una valorización o revalorización, captada y/o transmitida por el hipertexto, para con el espectador o lector del mismo. Es decir, la determinada situación, hipotéticamente planteada en el hipotexto cambia de significado en esta transformación genérica, aunque lo que se esté escuchando o leyendo sea exactamente idéntico (sea el caso de canciones con sus respectivos videoclips).
La producción o efectos de sentidos que generan imágenes, gestos de personajes, entre otros, son todos signos que impulsan una resignificación de lo que pudo haberse interpretado con anterioridad; “el pasaje de un signo a otro significa una ganancia, un plus de valor” (Bermúdez: 2008).
Según Oscar Traversa , el cambio de género, por el que el fenómeno de la Transposición es efectuado, se genera también por un cambio de dispositivo. Traversa piensa a dicho dispositivo como “una entidad encargada de gestionar el contacto entre el individuo y las múltiples configuraciones sígnicas que tiene la sociedad en su discurso colectivo” (Traversa: 2004).
Es decir, el dispositivo es el elemento primordial, en ámbito material (sea la televisión, un CD, un libro, la radio, etc.), para producir o crear el efecto de sentido en el lector o espectador.
Si se hace una reflexión, “nuestro contacto es propio con los dispositivos; por ejemplo, no nos conectamos directamente con la escritura, sino más bien, con el libro” (Traversa: 2004).
No siempre los textos transposicionados o transformados producen efectos aceptados por el público. Muchas veces, lectores y seguidores de obras literarias están disconformes con transformarlas en obras cinematográficas, argumentando que se resumen situaciones, se suprimen personajes, etc.
Cuando se hablaba de un efecto de sentido o cambio en el mismo, se puede decir que se estaba refiriendo a una de las formas o clases de la Transposición. Esta es la Transformación Abierta o Temática que afecta directamente la significación del hipoptexto (por eso se habla de un cambio de género, por ende, un cambio de significado); se dice que es la Transposición propiamente dicha. Dando estas características se puede agregar también que, dicha transformación es de carácter suplementario; no se muestra todo tal cual describía o presentaba el texto original, es decir, su hipotexto.

Los cuatro textos a interpretar
Como ya se dijo, las obras o el corpus de textos con los que se trabajará son las canciones El problema (EP) y Minutos (M) (ver letra de ambas canciones en Anexo) de Ricardo Arjona y sus respectivos videoclips.
En el videoclips de la primera canción presentada (EP), se expone un asesinato, en el que se manifiesta una persecución por parte de la policía para con quien esta supone que es el criminal. En dicho videoclips, el perseguido se muestra queriendo escapar todo el tiempo de la policía, escondiéndose y caminando las calles de Barcelona , mientras que busca a una mujer. Finalmente, la policía termina por encontrar al supuesto asesino que se encontraba con la mujer que él buscó durante todo el trascurso del videoclips; ella estaba sobre sus brazos en una noche lluviosa (ver videoclips en DVD de Anexo).
En el videoclips de Minutos se muestra la detención o encarcelación de un hombre, el que debe cumplir con una determinada condena en prisión. Durante su estadía en dicho lugar, a él se le presentan conflictos con otros sujetos dentro de la cárcel. Acercándose al final del videoclips (por ende de la canción), el hombre obtiene la liberación, y al salir de prisión se dirige hacia una casa en donde ve a una mujer con una niña, y aproximándose a ellas un sujeto que besa a la mujer. El ex prisionero expresa una cara de descontento y se termina por alejar de aquella casa (ver videoclips en DVD de Anexo).

Para poder analizar el fenómeno de la Transposición y los consecuentes efectos de sentidos del corpus citado, es necesario observar y describir de qué manera están representados, transformados, transposicionados los elementos de las canciones (EP-M) en los videoclips.
Primeramente, es un tanto difícil pensar o analizar la canción y el videoclips de El problema sin tener en cuenta lo que se observó en la canción y videoclips de Minutos. Es decir, que lo que se observa e interpreta en el primero (EP) toma mayor sentido o se llega a un mayor entendimiento cuando nos ponemos en contacto con el segundo (M). Por ello la afirmación o hipótesis de que ambos videos presentan o causan un efecto sagático. Además, varios versos de ambas canciones tienen significación o se pueden ver transposicionados en los dos videoclips. O en otro de los casos, por ejemplo, una frase de El problema se ve transformada, en cierto sentido, en el videoclips de Minutos.
Para hablar de Transposición debemos comenzar por señalar que en el corpus a analizar hay un cambio evidente de género.
Se puede decir que una canción leyéndola, mientras se escucha en su CD (dispositivo) es un texto literario, una poesía, es decir, perteneciente al género literario. Al momento de realizar el videoclips de ella (la canción), es cuando se produce el cambio de género, la llamada Transformación Temática, en este caso, al género cinematográfico (audiovisual).
Si bien la Transposición es efectuada, el texto literario, o sea, el hipotexto no cambia. Es decir, la obra auditiva es idéntica; lo que se transforma sería el significado de esta viendo su hipertexto, su videoclips; lo que se puede interpretar de diversas maneras, ya sea, cambiando el significado del hipotexto, o bien, observar de qué forma los elementos de la obra literaria están representados en el videoclips, en el hipertexto.

“El problema no fue hallarte/ el problema es olvidarte”. Esta primera frase (dos primeros versos de la primera estrofa) de El problema se interpone con los finales de los dos videoclips. En el primero (de los finales), el videoclips (VD) de El problema, Ricardo Arjona (RA) logra encontrar a la mujer , “hallarla”, luego de su incansable búsqueda. En ella (la búsqueda) se refleja claramente que el problema es olvidarla; de decir lo contrario, él (RA), además de escapar de la persecución de la policía, no la hubiera estado buscando (a la mujer) durante todo el videoclips. En el videoclips de Minutos, nuevamente al final, Ricardo Arjona vuelve a encontrar a la mujer y reaparece este problema de no poder olvidarla. Se observa un claro sentimiento de pensar en ella, de no poder sacársela de la cabeza; hay dos momentos en este videoclips (Minutos), que ocurren en diferentes etapas de la estadía de él (RA) en prisión, en donde un elemento visible, una cadenita con un medio corazón, evidencia esta huella que la mujer marcó y sigue marcando sobre él. En Minutos (letra) dice, “Ya son las 7:16, / y el cadáver del minuto que pasó, / me dice tu estrategia te arruinó, / no queda más que ir aprendiendo a vivir solo, / si te quedan agallas”. Este último verso, y en general toda la frase, están poniendo en desafío ese problema de poder olvidar a la mujer, y a su vez, poniendo a prueba su supervivencia. “Minutos, / como sal en la herida, / se me pasa la vida/ gastando el reloj”.
Escuchando las dos canciones (EP-M) se podría decir que, casi de manera automática, se nos da o se nos crea un impulso en atribuir todas las descripciones sentimentales, presentes en la letra del hipotexto, a una persona, a varias personas; en fin, se piensa en un ser humano. Esto toma mayor sustento al momento de mirar los videoclips; en palabras más claras, las situaciones que se describen en las dos canciones, y además, observando su representación cinematográfica, es decir, visual, no le suceden a un perro o a un gato; se vuelcan directamente a una persona. Situaciones que representan, cotidianamente quizás, al ser humano.
Particularmente, El problema y Minutos (videoclips), nos ponen a la figura del ser humano (SH), en este caso representada por el género masculino (RA), en un estatus vulnerable en manos del amor, y que en nombre de él, es capaz (el hombre) de callar las más grandes traiciones e injusticias producidas para con él, y de esa manera llevarlo a destruir su vida o gran parte de ella. Aquí (en los videoclips), el hombre (masculino-RA) es víctima de las malas e injustas jugadas del amor. “El problema no es tu ausencia, / el problema es que te espero. / El problema no es que juegues, / el problema es que es conmigo. / Si me quedé queriendo solo, / cómo hacer para obligarte” (EP). “Como duele gastar, / el instante en el que tu ya no estás, / como cuesta luchar/ con las cosas que no vuelve más” (M).
Cuando se habla del desamor, las palabras soledad y tristeza están muy vinculadas a él. Si bien en la letra de Minutos no se nombra explícitamente a una cárcel, la representación cinematográfica de la canción transcurre en una prisión. Hay que tener en cuenta que esta (la prisión o cárcel) es sólo un elemento que da muestras de la manera en cómo se siente un hombre dentro de un lugar así. En todo momento se está contando el tiempo, sintiendo que nunca corre, ya que se le crea una situación interminable. Es el reflejo de no poder ver a alguien que amás, que deseas abrazar, conversar; es como sentirse sin amor, es como si el amor haya abandonado al hombre (RA) en este caso. “El reloj de pared/ anunciando las 6:23. / El pasado con sed, / y el presente es un atletas sin pies. / Ya son las 6:43/ y el cadáver del minuto que pasó, / me dice así se vive aquí te guste o no, / y la nostalgia pone casa en mi cabeza. / Y dan las 6 con 50. / Mi soledad es tu venganza” (M).
Ya que se nombró bastante a la figura masculina representada en los VD como tal es interesante pensar también la figura femenina, la figura de la mujer.
Como se nombró anteriormente, el VD de El problema muestra en su inicio un asesinato, y se observa claramente que es provocado por la mujer. Durante el transcurso del videoclips (EP), a la mujer se la observa tomando una copa de vino tinto, y también se la muestra en un lugar oscuro fumando marihuana. Se puede decir que se la presenta como a una figura alcohólica, drogadicta, y que bajo los efectos de tales adicciones actúa de dicha manera, en este caso, siendo culpable y causante de un asesinato. “El problema no es que mientas, / el problema es que te creo. / El problema no es lo que haces, / el problema es que lo olvido” (EP). Hay que tener en cuenta, que el asesinato se lo puede considerar también como un elemento para quien quedó amando sin que lo amen. No es un asesinato en aspecto físico, pero si en lo psíquico y mental, en este caso para Ricardo Arjona; y que además se ve reflejado en el VC de Minutos; el hombre queda completamente devastado por amor; preso por su desamor.
Justamente, la mujer, en ambos videoclips es presentada como responsable de los infortunios amorosos que tiene el hombre, y como escusa se le atribuyen adiciones que no puede controlar. Es decir, la mujer siempre termina por no tener que hacerse cargo de nada ya que detrás de ella hay una cuestión que justifica lo que pudo haber hecho dañando a otra persona. Por consecuente, el hombre, como víctima, responde por los actos de la mujer, lastimándose a él mismo para dejarla libre a ella. “Si me gustaste por ser libre, / quién soy yo para cambiarte (EP). Quién te dijo que yo/ era el sueño que soñaste una vez, / quién dijo que tu, / voltearías mi futuro al revés” (M). Retomamos a lo mismo, en el videoclips de Minutos, el hombre (RA), va a prisión (teniendo en cuenta lo que se describió anteriormente como elemento a la prisión), queda solo, y además, siendo inocente, siendo víctima. Ella, la mujer, calla, queda en libertad, tal como se la describe.
Si se lo mira desde una perspectiva masculina, se lo podría considerar un machismo (la representación victimaria del hombre en los VC). Pero desde una mirada femenina, se pude pensar que el representar a la mujer, de la manera descripta anteriormente, en los videoclips, sería una especie de reivindicación para ese género. Es decir, la mujer no siempre atada a los mismos labores, a las mismas actividades; se muestra a la mujer con poder de decisión, de poder actuar de diferentes maneras y no hacerse responsable por ellas. Es decir, a la figura femenina siempre, en una pareja (en términos socialmente hablando), se la considera como la persona que debe responder a determinados actos, cumpliendo cierto rol. El varón es el que, en tal caso, rompe las reglas, al que se lo considera (mayormente hablando) como capaz de llevar adelante un engaño, pero a la vez se hace cargo de arreglar sus fraudes amorosos. Evidentemente en los videoclips se está demostrando lo contrario; la mujer es, en este caso, la que rompe con las reglas; ella es la liberada, es la mujer, no cotidianamente acostumbrada a observar en una pareja; hasta se puede decir, que es una mujer enferma. Remarcamos; “si me gustaste por ser libre, / quién soy yo para cambiarte” (EP).
Retomando esta cuestión del hombre como víctima (si se quiere desde una perspectiva machista), y siempre hablando en términos del amor y del desamor, está el problema del tiempo. “Ya son las 9:23/ y el cadáver del minuto que pasó, / se burla de mis ganas de besar/ la foto que dejaste puesta en el buró” (M). No por nada, la canción donde se encuentra explícitamente expresada esta frase se titula Minutos.
Existe un dicho que dice “lo bueno se termina rápido” (Anónimo). Se puede considerar que las cosas malas e incómodas que solemos atravesar en nuestra vida, se piensan como situaciones que ocurren por el simple hecho de que tienen que pasar; pero lo que más aún molesta es la lentitud con la que transcurren. “El cadáver del minuto que pasó, / se burla de mis ganas de besar/ la foto que dejaste puesta en el buró” (M); es muy representativo que el hombre (RA) se encuentre dentro de la cárcel cuando canta esta frase. Recordemos que nombramos a la prisión o cárcel como sinónimos de tristeza y de soledad. Para él (RA), el tiempo le hace crear una psicosis en su mente, que termina por considerar a propósito el lento paso del tiempo.

La hipótesis que sostiene este análisis (en cuanto al o a los efectos de sentido producidos), afirma que los videoclips de El problema y Minutos presentan una relación de saga, es decir (como se nombró anteriormente), se describe una secuencia de hechos. ¿Cuál es el fundamento de dicha afirmación? Como disparador inicial, los personajes principales de ambos videoclips (masculino y femenino), son los mismos; en el caso del hombre es Ricardo Arjona, y por su parte, la figura femenina está representada por la misma mujer.
Durante todo el videoclips de El problema hay una persecución policial (ya que se produjo un asesinato), y la misma policía; suponiendo que el criminal que mató a un sujeto es RA, encuentra una foto de él con la mujer. Este último elemento (la fotografía) da a suponer que los dos (RA y la mujer) tuvieron, previo al crimen ocurrido, una historia entre ellos, una historia amorosa. En el final del videoclips de EP, la policía encuentra a su supuesto criminal, encontraba con la mujer en sus brazos.
Automáticamente, el inicio del videoclips de Minutos, comienza con la entrada de RA, junto a la policía a una prisión. Un dato importante a destacar es que, la ropa que lleva puesta Ricardo Arjona durante el videoclips de El problema, es exactamente la misma que tiene en el principio del VC de Minutos, al igual que el gorro sobre su cabeza y los lentes de sol.
La primera vez que aparece la mujer en el videoclips de Minutos, lo hace llorando, tal vez, simbolizando su sentimiento de culpa.
Al momento de ir a visitar (la mujer) al hombre (RA) a la cárcel, ella está embarazada, lo que se puede interpretar como otro elemento de que entre ellos dos existió una relación amorosa.
Para el momento de recibir, RA, la orden de su liberación, lo primero que hace al salir de prisión es dirigirse hacia la casa de la mujer, a la que él ve con una niña (se podría considerar su hija y la de RA), y a un hombre junto con ella. Evidentemente, se da la impresión que la mujer pudo reconstruir su vida al lado de un hombre. En cuanto a él, RA, en todo sentido, y reflejado en los dos videoclips junto a sus letras (EP-M), él es el que terminó perdiendo, en cuestiones del amor, y aunque el videoclips de Minutos demuestre que quedó libre, la condena de esa mujer para RA es perpetua.

Interpretación final
Es claro, indudablemente, que Gerard Genette no se equivocó al momento de pensar y definir a la Transtextualidad. Hay presencia de textos en otros textos, sin ningún marco de discusión, e inclusive cuando menos se lo espera. También es cierto que las diferentes expresiones del arte transmiten valores y diferentes interpretaciones.
Gracias al fenómeno de la Transposición, y su transformación temática, la revalorización y resignificación de las letras de El problema y Minutos observando sus videoclips correspondientes, pudieron ser interpretadas más allá de lo que se lee en los hipotextos, es decir, en las canciones como obras literarias y textos originales.
Vale aclarar que la interpretación que se realizó en este trabajo es subjetiva y personal. Las expresiones artísticas, como las aquí analizadas, permiten múltiples lecturas e interpretaciones y eso es, precisamente, lo que enriquece aún más a la teoría de la Transtextualidad, junto con el fenómeno de la Transposición.
La Transposición nos permitió pensar de una manera más específica, y no haciéndonos quedar siempre con una misma lectura tanto de la letra de una canción y mirando su videoclips. Esa misma lectura, a la que se está refiriendo, es la vulgar, la que para cualquier texto de esa categoría (canción con su videoclips), se termina por deducir lo mismo. Aquí se demostró lo contrario, ya sea analizando la figura representada, cinematográficamente, de un hombre enamorado, y de una mujer completamente diferente a como la plantea la sociedad. Es decir, que gracias a la transformación que se logra de un elemento o sujeto colectivo, representado con un cambio de género o soporte, se puede cuestionar y pensar que lo que se expresa explícitamente (en este caso en las letras de las canciones) no da a entender sólo lo que se encuentra escrito.
En cuanto al efecto sagático que produjeron los dos videoclips, afirman aún más que la presencia de textos, en otros textos es evidente. La secuencia de hechos, que demuestran los videoclips es claramente visible, ya sea por los diferentes elementos explicados en el análisis del corpus como por la aparición de dos de los mismos personajes en ambos textos audiovisuales.
Como reflexión general se puede decir que, el corpus analizado, ya no se llamaría las letras de canciones con sus respectivos videoclips, sino más bien, los cuatro textos relacionados con los que se trabajó.

Referencias bibliográficas
Gerard, Genette (1981) Palimpsestos. La literatura en segundo grado, Madrid: Taurus, pp. 53-62. Disponible en htpp//entretextosentretextos.blogspot.com
Arte (s/d): Disponible en www.wikipedia.com
Bermúdez, Nicolás Diego (2008) Aproximaciones al fenómeno de la transposición semiótica: lenguajes, dispositivos y géneros, disponible en www.fflch.usp.br/dl/semiotica/es
Arjona, Ricardo (2002)El problema, en Santo Pecado.
Arjona, Ricardo (2002)Minutos, en Santo Pecado

Anexos
Anexo I
Corpus de canciones
Imagen de Ricardo Arjona
El problema
(Letra y Música: Ricardo Arjona)
El problema no fue hallarte,
el problema es olvidarte.
El problema no es tu ausencia,
el problema es que te espero.
El problema no es problema,
el problema es que me duele.
El problema no es que mientas,
eproblema es que te creo.

El problema no es que juegues,
el problema es que es conmigo.
Si me gustaste por ser libre,
quién soy yo para cambiarte.
Si me quedé queriendo solo,
cómo hacer para obligarte.
El problema no es quererte
es que tú no sientas lo mismo.

Y cómo deshacerme de tí, si no te tengo?
Cómo alejarme de tí, si estás tan lejos?
Como encontrarle una pestaña a lo que nunca tuvo ojos,
Como encontrarle plataformas a lo que siempre fue un barranco,
como encontrar en la alacena los besos que no me diste.
Y cómo deshacerme de tí, si no te tengo?
Cómo alejarme de tí, si estás tan lejos?
Y es que el problema no es cambiarte.....
el problema es que no quiero.

El problema no es que duela,
el problema es que me gusta.
El problema no es el daño,
el problema son las huellas.
El problema no es lo que haces,
el problema es que lo olvido.
El problema no es que digas,
el problema es lo que callas.

Y cómo deshacerme de tí, si no te tengo?
Cómo alejarme de tí, si estás tan lejos?
Como encontrarle una pestaña a lo que nunca tuvo ojos,
como encontrarle plataformas a lo que siempre fue un barranco,
Como encontrar en la alacena los besos que no me diste.(x2)
Y cómo deshacerme de tí, si no te tengo?
Cómo alejarme de tí, si estás tan lejos?

El problema no fue hallarte,
el problema es olvidarte.
El problema no es que mientas,
el problema es que te creo.
El problema no es cambiarte,
el problema es que no quiero.
El problema no es quererte,
es que tu no sientas lo mismo.
El problema no es que juegues!
el problema es que es conmigo.

Minutos
(Letra y Música: Ricardo Arjona)
El reloj de pared
anunciando las 6:23.
El pasado con sed,
y el presente es un atleta sin pies.
Ya son las 6:43
y el cadáver del minuto que paso,
me dice así se vive aquí te guste o no.
Y la nostalgia pone casa en mi cabeza,
y dan las 6 con 50.

Quien te dijo que yo
era el sueño que soñaste una vez,
quien te dijo que tú
voltearías mi futuro al revés.
Ya son las 7:16,
y el cadáver del minuto que pasó,
me dice tu estrategia te arruinó,
no queda más que ir aprendiendo a vivir solo,
si te quedan agallas.

La casa no es otra cosa,
que un cementerio de historias,
enterradas en fosas,
que algunos llaman memorias.

Minutos, como sal en la herida,
se me pasa la vida,
gastando el reloj.
Minutos, son la morgue del tiempo,
cadáveres de momentos,
que no vuelven jamás,
no hay reloj que de vuelta hacia atrás.

Como duele gastar,
el instante en el que tu ya no estas,
como cuesta luchar
con las cosas que no vuelven mas.
Ya son las 9:23
y el cadáver del minuto que paso,
se burla de mis ganas de besar
la foto que dejaste puesta en el buró.
Mi soledad es tu venganza.

El ministerio del tiempo,
puso sede en mi almohada,
ahí te encuentro a momentos
aunque no sirve de nada.

Minutos, como sal en la herida,
se me pasa la vida,
gastando el reloj.
Minutos, son la morgue del tiempo,
cadáveres de momentos,
que no vuelven jamás,
no hay reloj que de vuelta hacia atrás.

Minutos que se burlan de mi.
Minutos como furia de mar.
Minutos pasajeros de un tren que no va a ningún lugar.
Minutos como lluvia de sal.
Minutos como fuego en la piel.
Minutos forasteros que vienen y se van sin decir.
Minutos que me duelen sin ti.
Minutos que no pagan pensión.
Minutos que al morir formaran el batallón de ayer.
Minutos que se roban la luz.
Minutos que me oxidan la fe.
Minutos inquilinos del tiempo mientras puedan durar.
Minutos que disfrutan morir.
Minutos que no tienen lugar.
Minutos que se estrellan en mi....son camikases de Dios.

Anexo II
Videoclips grabados en un DVD

Índice
Arte, del Clasicismo a los videoclips_____________________________________1
El fenómeno de la Transposición________________________________________3
Los cuatro textos interpretados__________________________________________6
Interpretación final___________________________________________________11
Bibliografía_________________________________________________________13
Anexos____________________________________________________________14